Youth Lagoon – Wondrous Bughouse (2013)

En el espacio que existe entre MGMT y Animal Collective encontramos el segundo álbum de Trevor Powers A.K.A. Youth Lagoon; éstas dos comparaciones son una aventura sonora impresionante que ninguna persona que clama algo hermoso y diferente puede perderse. Hablar de los inicios de Trevor es hablar apenas del 2011 cuando debutó con “The Year Of Hibernation”, para entonces Trevor era un joven de 21 años realizando un disco vulnerable, extremadamente Lo-Fi, escondido entre eco y producción sucia, y música calmada y melancólica que hablaba de escape y recopilaba sentimientos de no pertenencia, descanso, huída; encajaba perfecto con el super difundido género chillwave y el ejército de artistas que sacaban álbums grabados en sus casas con resultados maravillosos. Tomó la atención de todos los blogs independientes y algunas publicaciones mayores y el resultado fue aclamación instantánea.

Hoy no ha pasado mucho tiempo, sigue siendo un artista joven con sólo 23 años y madurez quizá no es el calificativo que se le pudiese dar al sonido de Youth Lagoon, más bien, el sonido se ha transformado. La transformación del proyecto coloca a Trevor ya no entre los artistas con un pequeño disco realizado en una casa, sino un proyecto producido por Ben H. Allen; quien ha trabajando para artistas como Animal Collective, Cee-Lo Green, Deerhunter y Delphic. Esto explica la evolución del sonido, pero de manera lírica, el contenido de cada canción ya no está enclaustrado ni tiene el sentimiento escapista que se percibía en “The Year Of Hibernation”.

Desde el momento que comienza “Wondrous Bughouse” se anuncia la diferencia, pues, luego de pasar el intro, “Mute”, la primera canción del álbum estalla con baterías y un sonido bastante grueso que en su álbum anterior jamás habría sido posible. En “The Year Of Hibernation” cada canción comenzaba callada y con el tiempo iba robusteciendo su sonido, el caso de “July”, hermosa pero calmada y paciente. “Mute” desde el inicio explica el sonido a través de la primera línea de la canción, “Living in a 3D world”, el sonido estalla mucho más tridimensional y complejo.

“Attic Doctor”, “Pelican Man” y “Sleep Paralisis” son los momentos que me hacen recordar a MGMT si trabajaran con una línea de producción un poco menos limpia. Son canciones con samples de cajas de música, pianos y mucho juego de eco y sonidos espaciales acompañados de guitarras ligeramente desafinadas con sonido trémolo. Si bien el sonido sigue apostando hacia el dream-pop, en muchas ocasiones, el discurso comunica un viaje psicodélico.

La primera canción que llegó a conocerse del álbum due “Dropla”, aunque no era tan instantáneamente diferente al material anterior como “Mute”, lo interesante de “Dropla” es la claridad de la letra sin perder lo nebuloso de la instrumentación.  Las imágenes son muchísimo más abstractas y espirituales “You’re playing a song, one that’s for me / While my physical body is turning in my grave” antes del coro repetido de “You’ll never die”, sin duda un cambio de composición que acompañado de la claridad en la producción alcanza un nivel al que no llegaría con la timidez de su álbum anterior.

“Raspberry Cane” es otra canción que sin duda resalta en su complejidad y por comenzar con amplitud sonora que lanza a un estado mental concreto, sin sugerir nada con música que suavemente te lleva a un lugar. Estas canciones están destinadas a lanzarte al mood de Powers de forma instantánea.

El efecto logrado por Youth Lagoon en esta entrega es un experimento sonoro disímil al hecho por Tame Impala en “Lonerism” y un Dream-Pop trascendental que se aleja del susurro de “MBV” hecho por My Bloody Valentine.

 

En éste álbum la fragilidad y vulnerabilidad siguen ahí pero potenciadas por millones de detalles que se aprecian cuando se sube el volumen con audífonos. Escuchaba el álbum mientras caminaba por la ciudad de la misma manera que hice con el anterior y la diferencia es que antes tenía que detenerme, huír y escuchar; esta vez  la música me invita a ver el mundo a apreciar mi alrededor. El disco anterior logra ese efecto invernadero, mientras que “Wondrous Bughouse” es una experiencia totalmente diferente, más que introspectiva: contemplativa.

Tracklist:

1. Through Mind and Back
2. Mute
3. Attic Doctor
4. The Bath
5. Pelican Man
6. Dropla
7. Sleep Paralysis
8. Third Dystopia
9. Raspberry Cane
10. Daisyphobia

Rate: 9/10

Autre Ne Veut – Anxiety (2013)

En 2010 Autre Ne Veut y How To Dress Well fueron, de forma profética, dos muestras de la nueva dirección que podría tomar el R&B. Autre Ne Veut se conservó como un proyecto mucho más privado y How To Dress Well despegó haciendo covers y colaboraciones. Cuando “Total Loss” de How To Dress Well salió en el 2012, a pesar de que contaba con algunas de las mejores canciones del año en el género, al álbum le faltó fuerza; esto en parte porque la voz de Tom Krell carece de la potencia que Arthur Ashin le imprime a Autre Ne Veut.

Como proyecto musical, Pitchfork refirió al sonido de Autre Ne Veut como una mezcla entre D’Angelo y Avey Tare; y de hecho explora dos espectros distintos de sonidos que no combinan. Por un lado puede sonar extremadamente experimental y por el otro tener talento para digerir la aventura sonora y serle fiel al género que hace sin exagerar.

De todas maneras, mucho ha cambiado desde el 2010, especialmente para el R&B; el surgimiento de artistas como Miguel y The Weeknd ampliaron el espectro e hicieron que toda la persuación indie tomara interés. Lo interesante de Autre Ne Veut es que, a diferencia de los demás dentro del género, se atreve a producir los sonidos clásicos con algo más de vanguardia; la experiencia sonora sería una mezcla entre Prince (The Artist) y Ford & Lopatin.

“Anxiety” pone de manifiesto no sólo el talento de Ashin como cantante, quien antes se ahogaba en lo nublado de la producción, sino que también muestra cómo es capaz de manejar mejor el sonido de forma más clara; la música es más amplia, con más cambios y mejora su habilidad para que el que escucha tenga mayor apreciación de detalles.

Las referencias hechas anteriormente se entienden con claridad al momento de comenzar La primera canción del álbum (que además es un single) “Play by Play”. Sonidos espaciales, keyboard ochentoso y voz de R&B, el momento Prince y Ford & Lopatin en su máxima gloria. Una letra que mezcla la necesidad de compañía con instrumentación sexy, el ritmo cambia varias veces y luego se acompaña de un coro al estilo gospel “Don’t ever leave me alone, play by play, play by play”, intervenido por sonidos espaciales similares a los que usa M83 en su último álbum y keyboard sacado de los ochentas. Un perfecto comienzo que muestra la evolución del artista y su nuevo rango.

La segunda canción “Counting” tuvo una versión previa y fue revelada el año pasado junto al controversial rapero drag Mykki Blanco; la versión del álbum tiene un sentimiento completamente diferente a “Play by Play” y a su versión anterior, sigue jugando con la idea de abandono pero explorando una ausencia más permanente, la muerte, un tema recurrente en muchos artistas de R&B (otra similitud con el proyecto de su contemporáneo How To Dress Well). Los arreglos de esta canción tienen además intervensiones momentáneas de saxofón sobre la melodía espacial.

La tercera canción, “Promises”, muestra un poco sus referencias anteriores en cuanto a instrumentación, un pop ritualista y repetitivo con variaciones mínimas pero efectivas. La monotonía del ritmo se interrumpe con subidas y bajadas de volumen, así como con intervenciones esporádicas de frecuencia entre agudos y bajos.

“Ego Free Sex Free” mezcla instrumentación Lo-Fi con samples de voces y tiene diversos cambios acercándose a progresiones básicas de Synth-Pop cuando se aproxima al coro; la canción se torna más espacial y electrónica al momento de decir “Ego free, sex free, I can’t see your body baby”, como si la instrumentación llevara a la anulación de la situación sexual, nirvana, orgasmo de uno y no de dos por separado, una visión más esencial que circunstancial de la circunstancia sexual.

Aunque en el álbum existen referencias sonoras a distintas influencias, la canción “I Wanna Dance With Somebody” no hace guiña de forma directa a la canción de Whitney Houstoncon con el mismo título; a pesar de esto,  la canción captura el mismo sentimiento de Whitney con una producción mucho más compleja y menos pegajosa. De todas maneras “I Wanna Dance With Somebody” sin contar con una cualidad icónica pop tiene versos espaciales y un coro muy pegajoso invitando a moverse “Stand up baby / You never do it with me” mientras juega con la rapidez de la canción y sintetizadores.

El álbum también cuenta con momentos más calmados, “A Lie” y “Gonna Die”, muestra la vulnerabilidad del sonido repitiendo los temas en las letras pero cambiando la concentración a un ánimo más introspectivo. “World War” es otra balada con ritmos espaciales y sonidos en que en momentos podrían caer casi en drone hasta cambiar completamente y huir hacia adelante cuando se pasa la mitad de la canción, entre las baladas “World War” se alza como una de las canciones más fuertes del álbum.

Lo interesante de un álbum como “Anxiety” es que captura el sentimiento de ansiedad en sus temas y la ejecución hace que, incluso en los momentos en que una balada se acerca peligrosamente a aburrir el sentido del disco, se mantenga la continuidad. Ninguna canción sobra en el álbum y a pesar de que algunas se alzan con mucha mayor claridad que otras, el caso de “Play by Play”, “Counting”, “Ego Free Sex Free”,  “World War” y “A Lie”, cada una se sostiene como una canción excepcional, y juntas crean la obra “Anxiety”, el mensaje es claro y todo está en su lugar correcto.

El álbum Anxiety es la revelación de Ashin como artista, ya no escondido tras su proyecto musical, una mirada a sus inseguridades y sus sentimientos de abandono, desolación y exploración sonora del sexo, la música de hecho puede ser bastante sexual pero presentada de una forma natural y real, no cae en pornografía sonora de irrealidad pop. Hay realidad, hay dramatismo, hay abandono, hay inseguridad, todo por sí solo y todo mezclado con las vicisitudes del sexo sentido.

Tracklist:

1. Play by Play
2. Counting
3. Promises
4. Ego Free Sex Free
5. A Lie
6. Warning
7. Gonna Die
8. Don’t Ever Look Back
9. I Wanna Dance With Somebody
10. World War

Rate: 8,5/10

Perfume Genius – Put Your Back N 2 It (2012)

El segundo disco de Mike Hadreas, Put Your Back N 2 It, no marca una ruptura con su primer disco Learning, pero sí con la forma en la que Perfume Genius produce su música. Si bien ambos conservan un sentido de intimidad, vulnerabilidad y belleza, el proyecto toma una nueva dimensión incorporando percusión y un sonido mucho más tridimensional, el primer disco, a pesar de recibir buenas críticas y tener todos los elementos de un disco excepcional tuvo fallas en producción, el disco no se disfrutaba de principio a fin, en mi caso muchas veces se tornaba tedioso, aburrido.

Esta segunda vez lo importante de Pefume Genius es que no importa cuánto se le agregue a la música, la vulnerabilidad del tono de voz de Hadreas y su capacidad expresiva hace que uno se cautive de forma inmediata; a diferencia de Learning, en este disco es su complejidad en las letras, mezclado con la producción más limpia no compromete la simplicidad de la música, pues cada canción aporta emociones mucho más adultas pero conservan de alguna manera la ingenuidad musical del trabajo previo.

El estado de ánimo que hacía de Perfume Genius algo digno de ser escuchado en Learning continúa en Put Your Back N 2 It, el asunto es que la producción esta vez permite apreciar más los distintos elementos de la instrumentación y hace que la voz se presente de forma inteligible.

El disco es sutil, y las progresiones en la instrumentación son bastante delicadas y mínimas, aveces incluso silenciosas. La manera en la que cada canción escala no depende más que de los mismos elementos que expresa desde el principio. Los sentimientos de abandono, soledad, introspección, inseguridad, todos trabajan en favor de la música; por lo general estos sentimientos son inalterables o cambian de forma progresiva y lenta y eso es exactamente lo que capta el álbum.

El disco mantiene una compostura, Hadreas no busca escandalizar al que escucha, sólo busca comunicar los sentimientos y buscar una manera para comunicar la desolación. Cada canción además son cortas y se encuentran totalmente completas, en espacios muy pequeños de tiempo se escuchan canciones completas, nada se encuentra fuera de lugar y todo está en su correcto lugar.

El disco aunque simple es muy variado, y cada cosa está en su lugar perfecto. Uno de los mejores del 2012 sin duda.

Tracklist:

1. Awol Marine
2. Normal Song
3. No Tear
4. 17
5. Take Me Home
6. Dirge
7. Dark Parts
8. All Waters
9. Hood
10. Put Your Back N 2 It
11. Floating Spit
12. Sister Song

Rate: 9/10

Neutral Milk Hotel – Box Set (2012)

Con la reciente popularidad que ha tenido Jeff Magnum, sea por sus recientes presentaciones en vivo sea bajo cuerdas o sea entre las bandas indies más nuevas o conocidas, y con todas las publicaciones importantes dándole al álbum “In the Aeroplane Over The Sea” grandes alabanzas; no es de extrañar que un relanzamiento del material hecho por una banda como Neutral Milk Hotel estuviese en listas como uno de los mejores Reissues que tendrá el 2012. Pero el Box Set no sólo cuenta con los dos LP que grabó la banda en los noventas y su EP y Single, sino que adicionalmente tiene 15 rarezas que jamás habían sido realizadas en físico.

Para aquellos que no han conocido la trayectoria de la banda o que sólo conocen “In the Aeroplane Over The Sea” el Box Set es una oportunidad para adentrarse en la historia de una de las bandas que más contribuyó para colocar en el mapa al indie, pues Neutral Milk Hotel ha formado parte de disqueras importantes como Merge y su líder formó parte fundamental del Colectivo Elephan 6 (compuesto por Neutral Milk Hotel, The Apples In Stereo, The Olivia Tremor Control y Of Montral), la colaboración del colectivo contribuyó a nuevos sonidos y nuevas formas de contar historias. Tal es el caso de álbums como “In the Aeroplane Over The Sea” cuyo modelo luego fue recreado por bandas como The Decemberist, Titus Andronicus, There Will Be Fireworks y muchas otras, que es el tipo de álbum que cuenta una historia continua sin separación de canción a canción pero con una estructura musical que tiende hacia los sonidos orgánicos del rock y el folk.

El Box Set está compuesto en principio por el primer EP de Neutral Milk Hotel “Everything Is” grabado en Lo-Fi con una producción de sonidos bastante saturados pero con voz inteligible; dada la reciente moda del Lo-Fi escuchar grabaciones como esta no sólo causa nostalgia por los noventas, sino que muestra cómo aveces lo nebuloso y el eco agregado a las voces para que suene psicodélico no siempre le aporta calidad a la música sino que la ahoga en adornos, en parte la belleza de la grabación de baja calidad es su simplicidad. 

Para aquellos que no sabían que Neutral Milk Hotel tenía otro material grabado aparte del alabado por la crítica, el Box Set da la oportunidad de pasearte por el primer LP de la banda “On Avery Island” de 1996 que tiene un sonido mucho más ambicioso y a ruidoso que la canción promedio de “In the Aeroplane Over The Sea”, pero con el distintivo sonido de la la banda y la temblorosa voz de Magnum detrás de la instrumentación. En “On Avery Island” canciones como Pree-Sisters Swallowing a Donkey’s Eye coquetea con experimentación de sonidos psicodélicos y el lado instrumental de la banda, pero el sonido clásico del rock, de sonidos ambiciosos como el intentado por artistas en la era de Phill Spector se alza también más claramente en canciones como “Song Against Sex”, pero canciones lentas y llenas de sentimiento casi no están presentes en el primer LP de la banda “A Baby for Pree” son las que se acercan a ser prólogo de las canciones mejor articuladas.

También rarezas sueltas como Little Birds, canción que era conocida por los que iban a conciertos pero el público no había tenido acceso a tan alto nivel muestra la madurez de composición de Magnum y su capacidad de contar historias involucrándola con la música de forma envolvente cual trovador contando las aventuras de algún personaje.

Si te gusta Beirut, The Decemberist, The New Pornographer, Destroyer, Beck, Pavement, Broken Social Scene, etc., recomiendo que te pasees por la discografía de Neutral Milk Hotel compilada en este Box Set.

Tracklist:

Everything Is:

1. Everything Is

2.Here We Are (for W. Cullen Hart) 

3. Unborn
4. Tuesday Moon
5. Ruby Bulbs
6. Snow Song, Pt. 1
7. Aunt Eggma Blowtorch

On Avery Island:


1. Song Against Sex
2. You’ve Passed
3. Someone Is Waiting
4. A Baby for Pree
5. Marching Theme
6. Where You’ll Find Me Now
7. Avery Island/April 1st
8. Gardenhead/Leave Me Alone
9. Three Peaches
10. Naomi
11. April 8th
12. Pree-Sister Swallowing a Donkey’s Eye

In the Aeroplane Over The Sea


1. The King Of Carrot Flowers Pt. One
2. The King Of Carrot Flowers Pts. Two & Three
3. In the Aeroplane Over the Sea
4. Two-Headed Boy
5. The Fool
6. Holland, 1945
7. Communist Daughter
8. Oh Comerly
9. Ghost
10. Untitled
11. Two-Headed Boy Pt. Two

Ferris Wheel On Fire:


1. Oh Sister
2. Ferris Wheel On Fire
3. Home
4. April 8th
5. I Will Bury You In Time
6. Engine
7. A Baby For Pree/Glow Into You
8. My Dream Girl Don’t Exist (Live)

Holland, 1945


1. Holland, 1945
2. Engine

Little Birds


1. Little Birds (Studio)
2. Little Birds (Live)

You’ve Passed/Where You’ll Find Me Now


1. You’ve Passed
2. Where You’ll Find Me Now

Rate: 10/10

Bon Iver – Bon Iver (2011)

There’s not much I can say about Bon Iver to people that already love them. But for the record: Bon Iver is a band, not a person (that because a lot of people mistake Justin Vernon with Bon Iver). These guys have been working a lot for the last years on separate projects or collaborating with other artists, like the song in the eclipse soundtrack with St. Vincent, the 2010 buzz worthy collaboration with Kanye West in not one but two songs, and also Justin’s electronic side project Vulcano Choir and S. Carey’s solo album; everything showing different faces of the Bon Iver talent.

Talking about Bon Iver self titled release will never be like talking about the previous releases just because the amount of fame and respect they’ve been getting since “For Emma, Forever Ago” make them a different caliber of artistry. That said, is normal that the buzz around this album overshadow everything that was good in “For Emma, Forever Ago” and over appreciate everything that good in “Bon Iver”.

For this album they play with every influence they’ve had in the past, it’s still Bon Iver being Bon Iver, but all the production tweaks inherited of Vulcano Choir adding a little electronic stuff and pumping up the variety in instrumentation. The opener “Perth” for example, it has the same song structure of old familiar Bon Iver songs starting slow, building up and then chilling down, the typical Bon Iver crescendo but this time around with a lot more of horns and instrumentation. And then you take the second song “Minnesota, WI” and do exactly the same but with electronic synths mixing with a banjo and some 80’s sounding sexy saxophone and electric guitars.

“Bon Iver” is bigger in terms of production and sound quality but in the same time some songs miss the intimacy that the acoustic simple songs tend to have in “For Emma, Forever Ago”. I can’t help to be a little bit on the fence in the case of taking the bigger Bon Iver as the better one, it is indeed a good album, I’d never say that is the best of the year (like Pitchfork pretends to be saying up to this point), but it is really a good album. I really loved how they included in every song a little bit of horns and sexy saxophones, this details make the LP more pop oriented and maybe that’s why it loses a little bit of intimacy.

None the less, I’m not resisting to the change and I’m sure it will grow on me, and even though is not the best album of the year it’s up there with the ones that stand out.

Tracklist:

1. Perth

2. Minnesota, WI

3. Holocene

4. Towers

5. Michicant

6. Hinnom, TX

7. Wash.

8. Calgary

9. Lisbon, OH

10. Beth / Rest

Rate: 8.5/10

Google That Shit!

Cults – Cults (2011)

Since the beginning of 2010 Cults has been consistently making a big buzz, from free giveaways to songs featured in HBO’s Weeds. But this indie fame doesn’t matter when it comes to the quality of the songs. Music tends to be in a way a revival of something else and Cults is no exception, they take all that was good from the 60’s and Phil Spector and take it again in the same level. Of course, this will always be a good thing, and if you like this kind of recordings you’ll like this record.

But now the downside, the few EP’s created such a buzz that made the wait for the album unbearable; if 4 songs together were amazing 11 were going to be pure bliss and in reality the album never gets to a point where any song is better than the EP’s, and the over exposure of the songs I already knew damaged the wow factor of the album, the best songs were already known and some of them since last year (already in my best of the year list).

This is not necessarily a bad thing; people will already know what to expect from this album, the moral of the story for the music lovers would be “don’t have any expectations”, because high hopes only work to be crushed down. The new songs “Walk in the Night”, “Never Heal Myself”, “Never Saw The Point”, “Bad Things”, “Bumper” and “Rave On” sound like Phil Spector covers and never really reach the level of the EP’s which is a shame because with the singles and the only song missing was “The Curse” of the 7” that was probably the worst song so that was a good judgment call. Overall the album is good to listen, short and sweet but contrary to what Pitchfork and probably the indie world thinks I don’t think this is one of the best albums of the year. For sure is a must listen and definitely popular, but the worth of the album is overshadowed for the fame of the songs everybody knew.

The 2011 singles are very good “Abducted” and “You Know What I Mean”; I really thought that the aggressiveness and heartache that these two songs had were going to set the tone for the new record but sadly no, the best songs were released separately from the album and some have a long time running around, is like the album is new and I’m already tired of it. Again, I like it and some of the songs I love, but as a whole, the album is just not making it for me as one of the “best of the year” is pretty standard good.

But you be the judge and listen to it, drop a comment, tell me that I’m crazy.

Tracklist:

1. Abducted

2. Go Outside

3. You Know What I Mean

4. Most Wanted

5. Walk At Night

6. Never Heal Myself

7. Oh My God

8. Never Saw The Point

9. Bad Things

10. Bumper

11. Rave On

Rate: 7.3/10

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Rafter – Quiet Storm (2011)

Up until now, Rafter Roberts has had a very playful experimentation in his music; I have compared him to a lot of sounds until I got to a formula that was 20% Chromeo, 20% Of Montreal, 20% Passion Pit and 40% Originality. If you already know Rafter’s work, you’ll know he’s cool, with swagger and pop sensibility; but that things that seemed part of his nature were dismissed for this LP, this time he goes straight up experimenting big time, the sounds are very Lo-Fi and the production has the idea of broken saturated noise.

The first two songs I was waiting for Rafter to come out, you can recognize the old stuff but hidden behind a bunch of noise and is until “Nothing Here Worth Stealing” (the third track) that it sinks in that this is not what you expected, the sound is very Lo-Fi, and is so repressed that the only thing coming through is noise with a washed dark metal guitar and sporadic acoustic pop overtones. For the track “Innocence, in a Sense” the guitar riff really gets heavy and tends to be a little bit flashier and 80’s like.

The reason, as Rafter himself explains, is that when touring around with the “Animal Feelings” promotion he kind of got into Metal; though this influence, still the songs conserve a little bit of his characteristic sound, but is so drowned and washed out by Lo-Fi effects that make each track very hard to digest. When asked about the record he said “we listened to a lot of black metal demo tapes in the car… it was really inspiring, extreme, blown out, ridiculous but heartfelt… I made this album, fed by those inspirations and a wave of existential freakout, human mind explosion. in my fantasy, it’s like darkthrone meets the kinks meets lee perry…”.

The record is a little bit under 30 minutes and is so heavy that it gets actually really long, none of the songs are great for me, not even the ones that conserve more of what Rafter is all about, and keeping up with my composture, I guess I won’t talk about how disappointed I am of this record because I consider Rafter an amazing artist, and I’m not disappointed because he did different, in fact, I applaud the brave concept he pulls off. If something you get loud and clear from this album is that in fact a Quiet Storm of really epic proportions is happening.

But non the less the concept is well putted together, and you get that everything is intentionally, the reasons of the album are an artistic expression so closed to only Rafter’s understanding that even to his most loyal fans is hard to get, if something, this LP will open the door to new listeners and probably a lesson to not making expectations on his music but never giving up on it, because you never know what you can get, and this element of surprise can be risky, but I’m still waiting to see what next stuff he can come up to.

Still remembet that this is my opinion, and you can listen and make your own, so stream the LP in bandcamp down here and come to a conclusion.

Tracklist:

1. Convenience or Death
2. Fire Fire, Water Water
3. Nothing Here Worth Stealing
4. Innocence, in a Sense
5. Sick Princess
6. U Used Me Up
7. Interlude
8. Coldness of Space
9. Braden’s Song
11. Oh No
10. Pummelled
12. Born Again

Rate: 3/10

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Puro Instinct – Headbangers In Ecstasy (2011)

The girls of Puro Instinct are two young sisters that dropped out of school to make music; they got into the Shoegaze inspired sounds and (one more line to the tiger) entered the world of Lo-Fi artists; for their first full length, they teamed up with none other than critically acclaimed underground artist Ariel Pink, and that alone created a huge expectation. The bands original name was Pearl Harbor, under that name they released an EP, but when they changed to Puro Instinct some things started to change.

For starters, the sound keeps being very California, a lot of sun and beach and boys and heartache, The difference is that in Pearl Harbor the sounds where clearer, and this time around the message gets lost in too many production tweaks, the voices are unattainable, hidden far away behind reverb and overwhelming bass line, and on top of it the singing is always a little bit out of key, something that did not happen when they where Pearl Harbor. Now is just sloppy and lazy, and it seems on purpose; just not cute like in the Scarlett Johansson cover record of Tom Waits (for example). For this new project they relied on the reverb and the sounds happening and not on the quality of what was coming out. Of course, even this fact doesn’t make the LP a terrible one, just never nails a pretty high up. In the “California Shakedown” track, for sure one of the already known ones of the LP, accompanied with very somber guitar arpeggio, a very protagonist bass and a guitar solo with a very shy singing under that overdone reverb, the song still doesn’t come out with the same freshness as the ones in the Pearl Harbor EP.

For an album called Headbangers In Ecstasy, it comes a moment when the headbanging and the ecstasy just gets lost, the interludes hardly make sense or accomplish the idea of making the album sound like a complete music experience. The songs go from sexy and fun to somber, or overwhelming lost between production tweaks; for example “Lost At Sea” has the beach summer love tune, with a lot of indie pop of the late 80’s and early 90’s musical references singed slightly out of tune, still the naivety of the music reflects a lot of immaturity and stand on the production and not on the quality of the song on its own.

In the somber sides of the LP, when the headbanging and the ecstasy is already lost, great moments appear, but they are not well used, take for example “Escape Forever”, when the use saxophones starts to make the song rather sexy, airy and kind of resembling a wet dreamy, and then you hear chilled guitars on top of dry drums that don’t seem to mix with the rest of the instrumentation at times, the airiness you where feeling just starts to fade away, but still all the variations are interesting and enjoyable, making possible to overlook everything, but the singing is what really kill the song (for me) , once again shy and out of tune voices hidden in the background. If the album was called “Slightly Out Of Tune” everything would have made a lot more sense.

I love the fact that this girls are young and interesting, and are not afraid to embrace psychedelic noise and mixing it with dream pop and indie pop, the idea of not wanting to do a straight forward album and complicate it a little is very respectable. What’s actually good about this album is that it is very South Carolina but didn’t settle to do another Lo-Fi record following the steps of Best Coast, these girls are very promising and I’m sure I’ll be expecting to hear more from them, for a debut of two young high school dropouts they demonstrate that they can do something productive with their time. The LP is not mind-blowing but is pretty descent, not a single song I hated, nor a really solid, excellent one.

Tracklist:

1. KDOD 1

2. Everybody’s Sick

3. Lost at Sea

4. KDOD 2

5. Silky Eyes

6. Slivers Of You

7. KDOD 3

8. Stilyagi

9. Escape Forever

10. KDOD 4

11. No Mames

12. Vapor Girls

13. California Shakedown

14. KDOD 5

15. Luv Goon

Rate: 6/10

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Toro y Moi – Underneath the Pine (2011)

This time around Chazwick Bundick takes distance from the Chillwave movement he was sort of being part of, he admitted that he didn’t want to be labelled like a Chillwave kind of musician; on this idea he took different elements and dived into a new sound, and for an artist like Chazwick this elements were traditional, guitars, pianos, bass, and real drumming, all of them refreshing the sound and making the Toro y Moi experience a different one that anyone could expect.

If compared to Causers of This (other than the vocals), this are two different sides of making music; this time around since the intro “Intro Chi Chi”, Bundick separates the sound starting with a very distorted guitar and a tambourine, also a piano set to the back in echo and voices on top of it, for some seconds this sound maintains until it brakes down to tropical real drumming and funky bass lines; this sets the beginning of a new way of approaching sound, transforming the Lo-Fi Chillwave into a Funk experience.

The single is another example of this new sound, on purpose named “New Beat”, because the feeling that drums and bass can add to Lo-Fi and a guy that knows this kind of production too well make a completely new experience for Bundick, there’s some disco beats, playful production tweaks added to real instruments and its a much more clean production this time, still in tracks like “Good Hold” the sound fades away for a while and all you have left is the echo on the distance that suddenly rushes back to the front, distance and closeness forced by sound tweaking of the production, but everything sounds more planned and less accidental (though the accidents of sound production in ‘Causers of This’ are completely intentional and an important part of the charm), and then “Divina” brings piano to the table, and then “Before I’m Done” intentionally adds acoustic guitar to the formula. What makes it Toro y Moi is the playing with the sides of the headphones, where the sound will come from, “Before I’m Done” also ends up with ambient electronic after he well played the acoustic and the funky drums and bass.

But probably the best songs in this LP are not the ones that make us remember what use to be Toro y Moi, but the ones that shows us that new sound, songs like “New Beat”, “Still Sound”, and a kind of psychedelic experimental rock song like “Light Back” that reminded me a little to the sort of experimentation that MGMT were making with their last LP if it were had been a little bit more Lo-Fi. It was a surprise to listen this side of Toro y Moi, not because in the past it wasn’t there because songs like “Imprint After” had the funk hidden behind the chill, is just that this time you don’t have a musician with different digital sounds mixing them in a basement with a tape recorder, this time is “real music making” with real instruments; maybe some will miss the old romance of a solo artist with the tape recorder and the computer, but I liked this new twist. Now to the question is it better? Is it worst? That’s something that can’t be said, is different and probably will appeal to a different audience or to a more open kind of listener but you can’t compare winter and summer, each season has its charm.

Tracklist:

1. Intro Chi Chi
2. New Beat
3. Go With You
4. Divina
5. Before I’m Done
6. Got Blinded
7. How I Know
8. Light Black
9. Still Sound
10. Good Hold
11. Elise

Rate: 7.2/10

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Yuck – Yuck (2011)

When it comes to the trend of Lo-Fi and Shoegaze artist there is not that much innovation and experimentation around it, most of the successful artists that pursue this sound go straight to the point with a simple formula, such is the case of bands like Wavves and the list goes on, where the songs are not too long, they keep a basic beach fun and fuzzy feeling, and just do what they do in this kinds of productions; this sound has been so successful that’s also a trend these days. If this is the case, what’s a band like Yuck bringing new to the table, why everyone is talking about the relevance of their music and what are they doing different than the other bands that have the same kind of production and sound? The answer is not a straight one, but I’ll try to take my shot and say what I thought about this record.

Yuck is a band that comes from the continued project of two of the members of the UK band Cajun Dance Party (Max Bloom and Danny Blumberg), that teamed up with guys from other countries and music backgrounds; Yuck forms part of the long list of artists that attempt the revival of 90’s sounds. The point in where Yuck sounds different than all the other bands comes in the different influences, they don’t sound like the standard garage rock like Wavves or Best Coast or Ty Segall, etc, but they have the influence; also some songs go from the standard less produced mainstream alternative rock of the 90’s like Hole or Foo Fighters to the more serious sounds like Pavement, never forgetting the profoundly British sounds of bands like Belle and Sebastian. Another important aspect of the band is the naivety in which they present emotions; a sort of expression of the sentiment without giving very serious thought, something very common on indie pop productions.

This said, though everything about this band come from pretty standard good stuff around, they focus in presenting it in an uncommon way, much longer song structures of the same catchy riff, good guitar solos, even moments of something that sound like elevator music between Belle and Sebastian (ish) acoustic guitars. Each song bring something new to the table and the common ground ends up being the production, each song could be from a different band, with different genres but still Yuck maintains all of this sounds sounding part of one big picture.

The album is very enjoyable, and wont lent down to the people that was following them through out the EP’s and singles, a lot of ballads (something I didn’t expect) and in the end a very youthful modern sound, appealing, with Lo-Fi Indie Pop quality and a Garage Rock overtone, mixed with reverb and Shoegaze and even a bit of Grunge. Definitely it’s the most accurate record I’ve found around that has nailed perfectly the reinvention of 90’s alternative rock and pulled out a really cohesive well produced album.

Stream the Album and Enjoy!

Yuck – Yuck by Yuck

Tracklist:

1. Get Away
2. The Wall
3. Shook Down
4. Holing Out
5. Suicide Policeman
6. Georgia
7. Suck
8. Stutter
9. Operation
10. Sunday
11. Rose Gives A Lilly
12. Rubber

Rate: 8.3/10

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