David Bowie – The Next Day (2013)

El 2013 ha sido un año de artistas influyentes y “leyendas” volviendo a la palestra. Si bien cada año tiene sus artistas clásicos haciendo un regreso; en ocasiones se trata de dinosaurios haciendo música nostálgica sobre su propia influencia rancia. Pocos son los que se salvan de la edad influyendo en sus inspiraciones, pocos todos los que siguen sonando actuales, los artistas que en 2013 están regresando son los que mantienen en alto la estatua de la influencia. My Bloody Valentine y su relación con Patti Smith quien también sacó un álbum el año pasado podría ser un ejemplo y David Bowie con el resto del espectro musical: Laurie Anderson, Lou Reed, Placebo, Marilyn Manson, The Cure, Nirvana, Smashing Pumpkins, Culture Club, y muchos más grandemente influenciados por el británico. David Bowie es quizá el artista más influyente que vive, pues una cosa es tener artistas con fama icónicos como Michael Jackson pero cuya influencia fue más llevada por ellos mismos y su música es irrepetible; el caso de Bowie es el opuesto, todo suena a él y su música está en todos lados.

“The Next Day” es el primer álbum de Bowie que recoge todas esas influencias. Si bien Bowie perdió su camino en los ochentas y noventas tratando de encontrar una voz que lo mantuviera en la vanguardia, y si además se convirtió en un artista que seguía tendencias en vez de imponerlas, todo fue de manera no comprometida. Hoy Bowie tiene 66 años, ya no puede ser tan provocativo, ya no causa fantasías sexuales jugando en la frontera de lo masculino y lo femenino, ahora necesita una forma diferente de provocar.

El juego de la provocación de “The Next Day” comienza con una foto portada que hace referencia a “Heroes”, uno de sus mayores éxitos, escondido detrás de un cuadro blanco, no hay cara, no hay máscara, pero tampoco hay inteligibilidad de un Bowie verdadero. “The Next Day” intenta partir de las referencias clásicas de Bowie y a la vez separarse de ellas. La primera canción que escuché de Bowie fue “Rock ‘N’ Roll Suicide” de 1972, recuerdo que lo que más me impactó de la canción fue el grito preocupado de Bowie diciéndole a todo aquel que se sentía alienado “Oh! No Love! You’re not alone!”, un grito de vida, de esperanza, por canciones como esa Bowie se había convertido en la voz de otro chico “queer” y ya el mundo no estaba en los 70’s. El hecho de que canciones de los sesentas y setentas de Bowie siguieran siendo relevantes en los noventas no era algo impresionante, no se trataba de que una canción fuese un clásico, iba más allá de escuchar The Beatles o Pink Floyd y que fuese música buena, más allá de la música, lo que trascendía de Bowie era el mensaje, rescatar en la juventud alienada de todos los tiempos que está bien ser un poco raro, que las diferencias te hacen particular y que en medio de la soledad a la que te lanzan tus rarezas “You’re not alone!”.

Así Bowie se convirtió en la voz de todas las generaciones con esfuerzos que hizo en los setentas. ¿30 años después qué ha pasado? Más allá de las reinvenciones Bowie envejeció con gracia, dejó sus experimentos sonoros en los que se aventuró desde los ochentas y volvió a hacer un álbum de Rock con su productor clásico, Tony Visconti.

La primera canción que se escuchó del álbum fue una balada, “Where Are We Now?”; la canción comienza con un Bowie reafirmando su presencia con mucha sencillez, haciendo referencia calmada quizá a su estatus de leyenda pero aceptando sin aceptarse como un dinosaurio del rock, “Just walking the dead”, aquí se siente un cambio lírico a pesar de que Bowie continúa ahí, sigue siendo un Bowie que acompaña al mundo, pero se siente un poco más sombrío que hace 30 años, quizá retomando la oscuridad de “Heathen”, haciendo referencia a su no eternidad “As long as there’s me / As long as there’s you”, ¿se tratará de un Bowie aceptando el fin de su propia influencia? Si es así, igual es brillante por reconocer su ocaso con gracia.

La primera canción del álbum también hace esta referencia al ocaso, la diferencia con “Where Are We Know?” es que  “The Next Day” comienza con un Bowie afirmándose, “Here I am, not quite dead”. La canción es enérgica, firme, alegre, pero con referencias oscuras que se esconden detrás de la música estimulante: “They can’t get enough of that doomsday song”, no dejo de darle un todo crítico al culto a la depresión presente en la música actualmente y Bowie en parte entendiendo, más allá de moralizar, reafirmando su presencia en esa escena.

El segundo single del álbum “The Stars (Are Out Tonight)” también tiene esa referencia a la vida moderna, además no hace más que volver a las antiguas inspiraciones cósmicas de su música. Escuchando la canción por primera vez pensé que sonaba a Dire Straits, pero también recuerdo escuchar Dire Straits y pensar que sonaba a Bowie; en esta canción Bowie vuelve a ser original, vuelve a ser fiel a él mismo, vuelve a su idea de marcar tendencias más allá de seguirlas. Esto se siente en más canciones del álbum, “Dancing Out In Space” mezcla baterías de los ochentas con guitarras de los noventas y coros de los setenta, suena a todas sus épocas, “let us sail back home tonight” canta, no es más que un Bowie volviendo a sus propias influencias.

Lo curioso de las influencias en este álbum es que da una sensación de Inception, así como la famosa película trataba de un sueño dentro de otro y dentro de otro, “The Next Day” es su propia influencia dentro de su influencia y dentro de su influencia. “I’d Rather Be High” tiene una guitarra con uno de los hooks más pegajosos que por sólo escucharlo suena a algo clásico, una vez más haciendo referencia a la muerte “I’d rather be dead or out of my head”, un Bowie escapista pero completamente confiado de que no lo hace con madurez sino con la intención profundamente seductora que ha conservado a lo largo de su carrera. Presencia-Ausencia, dos sensaciones que causan la angustia del juego con el deseo.

El ritual del cortejo vuelve también con “Boss Of Me”, referencias a bajos funk e instrumentos de viento, estos momentos no sólo marcan sus mejores canciones en la historia, recuerdan la genialidad de Bowie en hacer melodías envolventes pero claramente inteligibles, la separación de toda la tendencia posterior del rock que se centraba más en ser envolvente por ambientación musical y no por contenido. “Dirty Boys” también repite esta ilusión dentro de la instrumentación, guitarras, saxofón. “Dirty Boys” tiene un aire cabaret o un aire bar al estilo Tom Waits, sin dejar de sonar británico y haciendo cambios en el coro que lo hacen sonar al estilo que seguía en el álbum de “Heroes”, el momento memorable es el solo de saxofón en la canción al final, pudo haber durado 10 minutos más sin dejar de ser interesante.

Sin necesidad de hacer un largo paseo canción por canción éste álbum es uno de los que cualquiera que quiera saber de Bowie debe tener. Ahora bien, Bowie tratando de dejarse influenciar por él mismo hace que el álbum suene al viejo Bowie con una vitalidad renovada, este es un logro en sí mismo, claro, no logra ningún momento memorable que sea tan aventurero o tan genial como los antiguos, igual sigue siendo su primer disco en 10 años y volvió a lograr éxito de ventas, llegando a número 1 en iTunes y todas las listas importantes desde 1993, otra azaña para un artista que se creía retirado, regresando con vitalidad y demostrando su bien ganado puesto en la historia de la música.

Hoy en día Bowie demuestra que su influencia es sobrehumana, es como si los extraterrestres lo hubiesen mandado para amoldar la música por un buen camino; en Bowie la aceptación, la rareza, la tolerancia, el salto entre géneros, las reinvenciones, todo ha sido posible. Sin Bowie en la historia nada de lo que hoy es libre artísticamente hubiese podido ser.

 

 

Tracklist:

1. The Next Day
2. Dirty Boys
3. The Stars (Are Out Tonight)
4. Love Is Lost
5. Where Are We Now?
6. Valentine’s Day
7. If You Can See Me
8. I’d Rather Be High
9. Boss of Me
10. Dancing Out In Space
11. How Does the Grass Grow?
12. (You Will) Set the World On Fire
13. You Feel So Lonely You Could Die
14. Heat

Rate: 8,5/10

Torres – Torres (2013)

Se habla mucho del regreso de los noventas; tanto en el pop como en el rock se han estado dando pasos en esta dirección, artistas como EMA o Yuck y el retorno de bandas como My Bloody Valentine y Dinosaur Jr. hacen que el sonido característico de los noventas en pop y en rock vuelva a tener influencia. En esta tendencia se encuentra Mackenzie Scott, A.K.A. Torres. La artista de 22 años llena sus letras con contenidos sobre abyección, aislamiento, problemas de mujeres acompañando las letras con una guitarra eléctrica y pequeños arreglos de otros instrumentos. La música es sutil con arreglos de producción que conservan la grabación íntima. El proceso de grabación se realizó en sesiones directas y el resultado es canciones que evocan a una PJ Harvey en los noventas pero con un espíritu menos experimental, Cat Power también me viene a la mente para describir su sonido.

El disco cuenta con canciones de increíble poder lírico, la segunda canción, “Honey” habla de la decepción dentro de una relación que pareciera haber tomado tiempo donde el personaje creado por Scott toma confianza suficiente para hablar de la relación. La canción está llena de acordes poderosos y va ascendiendo su volumen y reverbaciones para acentuar los sentimientos. El título de la canción sugiere la dulzura con la cual se entregan malas noticias cuando se ha estado mucho tiempo en una relación.

“November Baby” es una canción de 7 minutos, calmada, vulnerable y anecdótica, pero la historia no es la que hace la canción, sino la guitarra y el bajo sosteniendo cada nota dulcemente cantada. Otra canción hermosa es “Moon & Back”, sobre una madre que entregó a su hijo y le deja una carta para ser leída en el futuro. Más allá de narrar la historia es una carta centrada en el amor de una madre a su hijo y entregándolo por una mejor vida, la canción alcanza su realización con un mínimo acuerdo de cuerdas y percusión que no sobrecarga la simpleza mínima del sentimiento que quiere transmitir ni el protagonismo de la voz al frente.

Otros puntos altos del disco son canciones como “Chains”, llena de misterio narrando la liberación de una relación donde las cadenas con las que mantenía atada la relación rompe su eslabón más débil y queda pidiendo al hombre que todavía no renuncie a la relación sin ningún plan de cómo hacer para mantenerla. La música en esta pieza es llena de una guitarra crujiente y nunca tiene un momento explosivo. “When Winter’s Over” es la canción más instrumentada del disco y recuerda los arreglos del rock alternativo de principios de los noventas, ese que hizo tan popular a artistas como Joan Osborne o Lisa Loeb.

“Jealousy and I” es otra canción que incorpora la preocupación dentro de una relación que la lleva a sofocar una relación, habla de su relación con los celos y sus inseguridades; maneja la imagen de una relación que comenzó pero se va de control en el momento que ella comienza a sentirse cerca de la persona y se siente amenazada por lo desconocido del mundo exterior. Más que la relación de ella con una persona, la canción trata de su relación con los mismos celos y que es una carga que ella pone en sus relaciones y no le importa, sus relaciones no afectan su relación con los celos; todo cantado con una guitarra eléctrica. Una de las mejores canciones del álbum.

Sus letras están llenas d imágenes naturales, brisa, rocas, luz. El cierre “Waterfall” establece todas las imágenes y las lleva a un momento más contemplativo y quizá oscuro preguntándole a una cascada si en algún momento se detiene a mitad de camino a pesar que quizá nunca había querido saltar en absoluto, contemplando quizá un momento que juega con fantasías suicidas; ve la idea de la caída de la cascada como una liberación pero también la posibilidad de mantenerse andando sin que quizá el arrepentimiento le invada a mitad de caída, “Maybe it’ll all be better in the morning”, dice.

Sin duda Torres es un proyecto que no tiene ningún descubrimiento en términos de composición y letras. Es un disco hermosamente ejecutado, eso le da suficiente validación, especialmente por tratarse de un disco debut.

Tracklist:
1. Mother Earth, Father God
2. Honey
3. Jealousy And I
4. November Baby
5. When Winter’s Over
6. Chains
7. Moon & Back
8. Don’t Run Away, Emilie
9. Come To Terms
10. Waterfall

Rate: 8/10

My Bloody Valentine – MBV (2013)

21 años han pasado desde que My Bloody Valentine sacaba nuevo material. Les tomó más tiempo que la democracia China, les tomó más tiempo que la fecha en la que el último disco de Nirvana fue realizado. En 21 años Godspeed You! Black Emperor tardó 12 años en sacar un follow up al exitoso “Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven”, les tomó más tiempo que el próximo disco que quizá algún día haga Lauryn Hill si decide dejar su fanatismo religioso y su locura atrás y se concentra en entregarle al mundo lo que quiere y merece. Hay que estar loco para esperar durante 21 años un álbum y más loco para tardar en sacarlo.

Más allá de esto, conviene hablar de qué esperar de My Bloody Valentine en estos 21 años. ¿Acaso es lícito juzgar a MBV bajo la luz nostálgica de It’s You y Loveless? Si bien la influencia de My Bloody Valentine es innegable, el estatus de leyenda pone en riesgo la comprensión de muchísimos de los die hard fans que esperaban un disco igual de influyente a Loveless 21 años después. Dicho esto, lo que se puede esperar es pop, no el pop efímero sino el pop trascendental, eterno, lleno de excelencia; ¿acaso eso sigue siendo pop?

El lanzamiento de MBV estuvo lleno de controversias, desde la fobia de Kevin Shields en cumplir cualquier plazo a su creatividad, que llevó a fechas falsas hasta fanáticos diciendo que así saliera el disco ya no lo comprarían porque se sentían engañados; como fans que, cuando por fin llegó la hora, hicieron que la página de My Bloody Valentine colapsara y la desesperación llegó a niveles tales que  hasta una petición del pueblo de los Estados Unidos al presidente se realizó, donde se pidió a Obama que hiciera algo para que la página de My Bloody Valentine volviera a funcionar. Ese es el efecto My Bloody Valentine, si no hay drama, angustia, engaño y desesperación no sería un lanzamiento de My Bloody Valentine.

21 años después de esperar, MBV es el disco más corto que ha hecho la banda. Quizá su poder de influencia hoy en día sea reavivar la llama del rock de los noventas, que desde hace unos años está tratando de retomar su poderío. MBV tiene todo lo que un follow up de Loveless debería tener, comienza con canciones que, más allá de llevar la banda a territorios nuevos, hace referencias de los trabajos anteriores aunque con un protagonismo de la voz de Bilinda Butcher inusual y refrescante, un perfecto ejemplo de esto es “Only Tomorrow”, la segunda canción del disco. 

Estas referencias terminan cuando comienza la canción “New You”, quizá la canción más pegajosa y straight forward que ha sacado la banda en su carrera, aparece. “New You” es una melodía pop clara de nuevo con la voz de Bilinda Butcher tomando el protagonismo, como si la música quedara atrás formando la nube ambientadora en vez de ser la verdadera causa.

Hasta “New You” MBV es un buen disco de My Bloody Valentine que no se ha preocupado por adentrarse en territorios nuevos ni a mostrar la capacidad explorativa que tiene Kevin Shields detrás de la guitarra. Hasta que llegó “In Another Way”, con el título ya pareciera advertir que se va a tomar otro camino, con una batería ritual de Colm O’Ciosoig y Kevin Shields haciendo que su característico trémolo y sus reverbaciones alcancen un pico al que no llegaba con Loveless. Quizá una de las mejores canciones del disco. La siguiente canción, “Nothing Is”, es una frenética canción que al estilo My Bloody Valentine alcanza tal nivel de sonido que bloquea todo lo demás que esté ocurriendo y obliga a absorber el sonido…esa capacidad de bloquear cualquier pensamiento y ahogarlo en sonido hasta que quedes completamente relajado, una de las razones que originalmente me llevan a escuchar a My Bloody Valentine o al shoegaze en general. “Nothing Is” hace que Sields alcance su verdadero esplendor. Finalmente “Wonder 2” es la perfecta canción WTF del álbum, ahogada en reverbación de la guitarra que suena a la turbina de un avión. Luego la canción se desenvuelve debajo de ese sonido de aeropuerto, se aprecia una batería metálica y la voz de Shields al fondo siendo interrumpida en instantes por su guitarra sonando casi como un instrumento de aire sin eliminar el sonido de ambientación que sale de ella misma. Uno no puede más que imaginar a Shields en medio del escenario con un sin número de pedales tratando de recrear todo el sonido.

Kevin Shields volvió a posicionarse como uno de los mejores guitarristas del mundo con MBV, reposicionó su estatus de leyenda y junto a My Bloody Valentine demostraron que en el mundo Post Capitalista, Post In-Rainbows, el mundo donde la música no da mensajes sucintos y trata de expresarse de forma tan inmediata como apoteósica puede quedar todo acunado en un sonido mucho más puro, mucho más primitivo, casi sagrado.

En conclusión MBV es la continuación perfecta de la leyenda, no pudo haber sido mejor. Ante la pregunta de si será tan influyente ahora como lo fue antes, yo diría que no, ya nadie estaría dispuesto a esperar otros 21 años por otro disco de My Bloody Valentine después de MBV, pero es injusto esperar que MBV sea el nuevo Loveless porque ambos tienen su momento.

Lo único que siento con MBV es las ganas de no justificarlo y escucharlo. Ése es review suficiente.

Tracklist:

1. She Found Now

2. Only Tomorrow

3. Who Sees You

4. Is This And Yes

5. If I Am

6. New You

7. In Another Way

8. Nothing Is

9. Wonder 2

Rate: 9.5/10

Fiona Apple – The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do (2012)

Muchos son los artistas de los noventas que están teniendo sus retornos este año, R. Kelly, D’Angelo, Neneh Cherry, Garbage, No Doubt, Smashing Pumpkins, pero de todos quien regresa con mayor vitalidad es Fiona Apple. Ya los fanáticos de Fiona están acostumbrados a los largos períodos creativos que la artista se toma de un disco a otro. Además polémica generada por Extraordinary Machine con el movimiento Free Fiona demostró lo fuerte que puede llegar a ser la gente en la artista y la industria. Fiona es ahora una artista que se puede dar el lujo de esperar 7 años para sacar un disco y no ser una artista nostálgica pues tanto los que la conocimos en los noventas como las generaciones que la desconocen se interesan por ver de qué va esta artista.

7 años después de Extraordinary Machine Fiona retoma lo básico, The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do tiene todos los elementos esperados por un disco de Fiona, pero también tiene una actitud desenfadada de una Fiona que no está apurada por hacer un producto que sorprenda a todos y que sea un fenómeno comercial. El disco da espacios calmados que se parece los discos anteriores pero que experimenta nuevas fronteras.

“Periphery”, por ejemplo, cuenta con el clásico contenido lírico y percusión acostumbrada a un disco de Fiona pero juega con sonidos de palas contra tierra y piedras, sonando además como pasos de marcha militar. Desde el punto de vista sonoro Fiona experimenta con aplausos, objetos y la voz alcanza nuevos tonos, como en el single “Every Single Night” donde la voz brinca por encima de lo calmado de la música y semeja cantos de guerra tribales.

Igual las mejores canciones son las que muestran que la composición de Fiona sigue intacta, siempre refiriéndose a amores fallidos, fracasos emocionales y una que otra simplemente romántica; respetando además sus influencias de blues, jazz y rock. “Werewolf” cuenta la historia de una relación en donde ella contribuía a que el mounstro saliera, ya no es la victimaria de “Fast As You Can” sino se ha convertido en víctima de un monstruo al que ella misma contribuía a sacar.

“Hot Knife” es un ejemplo de lo contrario, una Fiona que desea una relación con un hombre e insiste de forma casi obsesiva. La música en esta canción también es bastante aventurera, sólo percusión y voz haciendo juego de voces al estilo showgirls de bandas de oro al estilo Chordettes o Andrew Sisters pero sin sonar antigua o nostálgica.

El genio de Fiona no necesita de un disco cada dos años para mantenerse vigente, éste es uno de los discos con mayor vitalidad del año.

Tracklist:

1. Every Single Night
2. Daredevil
3. Valentine
4. Jonathan
5. Left Alone
6. Werewolf
7. Periphery
8. Regret
9. Anything We Want
10. Hot Knife

Rate 9,6/10

Neutral Milk Hotel – Box Set (2012)

Con la reciente popularidad que ha tenido Jeff Magnum, sea por sus recientes presentaciones en vivo sea bajo cuerdas o sea entre las bandas indies más nuevas o conocidas, y con todas las publicaciones importantes dándole al álbum “In the Aeroplane Over The Sea” grandes alabanzas; no es de extrañar que un relanzamiento del material hecho por una banda como Neutral Milk Hotel estuviese en listas como uno de los mejores Reissues que tendrá el 2012. Pero el Box Set no sólo cuenta con los dos LP que grabó la banda en los noventas y su EP y Single, sino que adicionalmente tiene 15 rarezas que jamás habían sido realizadas en físico.

Para aquellos que no han conocido la trayectoria de la banda o que sólo conocen “In the Aeroplane Over The Sea” el Box Set es una oportunidad para adentrarse en la historia de una de las bandas que más contribuyó para colocar en el mapa al indie, pues Neutral Milk Hotel ha formado parte de disqueras importantes como Merge y su líder formó parte fundamental del Colectivo Elephan 6 (compuesto por Neutral Milk Hotel, The Apples In Stereo, The Olivia Tremor Control y Of Montral), la colaboración del colectivo contribuyó a nuevos sonidos y nuevas formas de contar historias. Tal es el caso de álbums como “In the Aeroplane Over The Sea” cuyo modelo luego fue recreado por bandas como The Decemberist, Titus Andronicus, There Will Be Fireworks y muchas otras, que es el tipo de álbum que cuenta una historia continua sin separación de canción a canción pero con una estructura musical que tiende hacia los sonidos orgánicos del rock y el folk.

El Box Set está compuesto en principio por el primer EP de Neutral Milk Hotel “Everything Is” grabado en Lo-Fi con una producción de sonidos bastante saturados pero con voz inteligible; dada la reciente moda del Lo-Fi escuchar grabaciones como esta no sólo causa nostalgia por los noventas, sino que muestra cómo aveces lo nebuloso y el eco agregado a las voces para que suene psicodélico no siempre le aporta calidad a la música sino que la ahoga en adornos, en parte la belleza de la grabación de baja calidad es su simplicidad. 

Para aquellos que no sabían que Neutral Milk Hotel tenía otro material grabado aparte del alabado por la crítica, el Box Set da la oportunidad de pasearte por el primer LP de la banda “On Avery Island” de 1996 que tiene un sonido mucho más ambicioso y a ruidoso que la canción promedio de “In the Aeroplane Over The Sea”, pero con el distintivo sonido de la la banda y la temblorosa voz de Magnum detrás de la instrumentación. En “On Avery Island” canciones como Pree-Sisters Swallowing a Donkey’s Eye coquetea con experimentación de sonidos psicodélicos y el lado instrumental de la banda, pero el sonido clásico del rock, de sonidos ambiciosos como el intentado por artistas en la era de Phill Spector se alza también más claramente en canciones como “Song Against Sex”, pero canciones lentas y llenas de sentimiento casi no están presentes en el primer LP de la banda “A Baby for Pree” son las que se acercan a ser prólogo de las canciones mejor articuladas.

También rarezas sueltas como Little Birds, canción que era conocida por los que iban a conciertos pero el público no había tenido acceso a tan alto nivel muestra la madurez de composición de Magnum y su capacidad de contar historias involucrándola con la música de forma envolvente cual trovador contando las aventuras de algún personaje.

Si te gusta Beirut, The Decemberist, The New Pornographer, Destroyer, Beck, Pavement, Broken Social Scene, etc., recomiendo que te pasees por la discografía de Neutral Milk Hotel compilada en este Box Set.

Tracklist:

Everything Is:

1. Everything Is

2.Here We Are (for W. Cullen Hart) 

3. Unborn
4. Tuesday Moon
5. Ruby Bulbs
6. Snow Song, Pt. 1
7. Aunt Eggma Blowtorch

On Avery Island:


1. Song Against Sex
2. You’ve Passed
3. Someone Is Waiting
4. A Baby for Pree
5. Marching Theme
6. Where You’ll Find Me Now
7. Avery Island/April 1st
8. Gardenhead/Leave Me Alone
9. Three Peaches
10. Naomi
11. April 8th
12. Pree-Sister Swallowing a Donkey’s Eye

In the Aeroplane Over The Sea


1. The King Of Carrot Flowers Pt. One
2. The King Of Carrot Flowers Pts. Two & Three
3. In the Aeroplane Over the Sea
4. Two-Headed Boy
5. The Fool
6. Holland, 1945
7. Communist Daughter
8. Oh Comerly
9. Ghost
10. Untitled
11. Two-Headed Boy Pt. Two

Ferris Wheel On Fire:


1. Oh Sister
2. Ferris Wheel On Fire
3. Home
4. April 8th
5. I Will Bury You In Time
6. Engine
7. A Baby For Pree/Glow Into You
8. My Dream Girl Don’t Exist (Live)

Holland, 1945


1. Holland, 1945
2. Engine

Little Birds


1. Little Birds (Studio)
2. Little Birds (Live)

You’ve Passed/Where You’ll Find Me Now


1. You’ve Passed
2. Where You’ll Find Me Now

Rate: 10/10

Wilco – The Whole Love (2011)

Almost a decade has past since Yankee Hotel Foxtrot, the first Wilco album that granted them media exposure and worldwide success, and its only natural that Wilco, being as North American as they can be, had to earn a place in the worldwide music scene more than being one more American band; in time they’ve delivered a particular sound and the public has been starting to acknowledge that.

Strangely The Whole Love doesn’t go straight forward to this particular sound, thus the consistency in the album is not on sight, but the exploratory sounding on the high end of the spectrum make this a not so typical Wilco album, but for me, that’s not necessarily a bad thing.

In The Whole Love we find a comfortable Jeff Tweedy in the front man seat, he’s come a long way since he’s rockabilly and country background since Uncle Tupelo split; but also its notable the very comfortable chemestry of the band rushing to experimentation back and forward, for example, the first song “Art of Almost” starts glitchy and muddy with heavy synths and amazing drumming, it goes building the sound contrasting the bands entire contribution and then a flawless set of strings, it also struggles with constant teasing sounds and false endings of the song, despite this, the best thing about it is a really spectacle between the band unspoken communication and contribution, every single member shine with something new to the table, creating a not typical Wilco vibe but leaving clear the capacity of any of the bands members; special emphasis in the guitar of Nels Cline hitting hard at the end of the song.

The second song and single “I Might” also has the presence of playfulness between the members but leaving to shine keyboardist Mikael Jorgensen and guitarist Nels Cline who play a sort of a jam feel with on and offs, also the muddy bass line of Pat Sansone give the song a deeper tone to the happy melody that goes around with the rest of the band.

“Capitol City” is another song that takes the listener to some new territory not so often seen on Wilco albums, in my opinion, the best vocals of Jeff Tweedy in the album and also a sort of city surfing sentiment on a summer day, it kind of reminds me the Feist feeling, good, cute, sweet and impossible to listen if you’re not having a sentimental journey to some cool big city lifestyle without loosing the small town warm welcoming people.

Ofcourse, this album has also a softer side, after all is called The Whole Love and it comes with songs like “Black Moon” and “Rising Red Lung” or alternative ballads like “Born Alone” or “Open Mind”.

But nothing says Wilco best than a good Wilco song, and probably the best over 10 minute song I’ve heard all year. This year has another artist with extremely long songs and critically acclaimed reviews: Josh T. Pearson’s new album Last of the Country Gentlemen and my point about that album was that the songs are too long, and they would be masterpieces if they were some couple of minutes shorter, just like he’s doing them live. But, returning to Wilco, “One Sunday Morning (Song for Jane Smiley’s Boyfriend)” is a very repetitive song that has a lot of subtle transitions but never changes radically, and is 12 minutes of blissful singing about a weekend, and I was listening and thinking “man, this is how you do a 12 minute song”, for sure one of my favourite Wilco songs ever.

Overall the album has ups and downs, not all the songs are great but the album remains good with a fantastic opener and a killer (and I mean killer!) closing track.

Tracklist:

1. Art of Almost

2. I Might

3. Sunloathe

4. Dawned On Me

5. Black Moon

6. Born Alone

7. Open Mind

8. Capitol City

9. Standing O

10. Rising Red Lung

11. Whole Love

12. One Sunday Morning (Song for Jane Smiley’s Boyfried)

Rate: 7.9/10

Google That Shit!

Yuck – Yuck (2011)

When it comes to the trend of Lo-Fi and Shoegaze artist there is not that much innovation and experimentation around it, most of the successful artists that pursue this sound go straight to the point with a simple formula, such is the case of bands like Wavves and the list goes on, where the songs are not too long, they keep a basic beach fun and fuzzy feeling, and just do what they do in this kinds of productions; this sound has been so successful that’s also a trend these days. If this is the case, what’s a band like Yuck bringing new to the table, why everyone is talking about the relevance of their music and what are they doing different than the other bands that have the same kind of production and sound? The answer is not a straight one, but I’ll try to take my shot and say what I thought about this record.

Yuck is a band that comes from the continued project of two of the members of the UK band Cajun Dance Party (Max Bloom and Danny Blumberg), that teamed up with guys from other countries and music backgrounds; Yuck forms part of the long list of artists that attempt the revival of 90’s sounds. The point in where Yuck sounds different than all the other bands comes in the different influences, they don’t sound like the standard garage rock like Wavves or Best Coast or Ty Segall, etc, but they have the influence; also some songs go from the standard less produced mainstream alternative rock of the 90’s like Hole or Foo Fighters to the more serious sounds like Pavement, never forgetting the profoundly British sounds of bands like Belle and Sebastian. Another important aspect of the band is the naivety in which they present emotions; a sort of expression of the sentiment without giving very serious thought, something very common on indie pop productions.

This said, though everything about this band come from pretty standard good stuff around, they focus in presenting it in an uncommon way, much longer song structures of the same catchy riff, good guitar solos, even moments of something that sound like elevator music between Belle and Sebastian (ish) acoustic guitars. Each song bring something new to the table and the common ground ends up being the production, each song could be from a different band, with different genres but still Yuck maintains all of this sounds sounding part of one big picture.

The album is very enjoyable, and wont lent down to the people that was following them through out the EP’s and singles, a lot of ballads (something I didn’t expect) and in the end a very youthful modern sound, appealing, with Lo-Fi Indie Pop quality and a Garage Rock overtone, mixed with reverb and Shoegaze and even a bit of Grunge. Definitely it’s the most accurate record I’ve found around that has nailed perfectly the reinvention of 90’s alternative rock and pulled out a really cohesive well produced album.

Stream the Album and Enjoy!

Yuck – Yuck by Yuck

Tracklist:

1. Get Away
2. The Wall
3. Shook Down
4. Holing Out
5. Suicide Policeman
6. Georgia
7. Suck
8. Stutter
9. Operation
10. Sunday
11. Rose Gives A Lilly
12. Rubber

Rate: 8.3/10

Google That Shit!

PJ Harvey – Let England Shake (2011)

PJ Harvey celebrated the release of their tenth studio album with a Live show from Paris you could stream on Internet, and the best way to get into an LP is by listen it live, there’s something about the energy and the emphasis that the artist can do live that can be hard to show on the studio record. But live show aside, is amazing how PJ Harvey passes from one record to another never giving up experimentation, eccentricity, weirdness, creativity and quality, a trademark that has endured the years.

Now on a more specific note, Let England Shake is by far the darkest album of PJ Harvey and her band, with very political and drastic lyrics, for sure people will have a hard time getting into the content and in time we’ll be capable of revealing the messages hidden into the entire concept. Of course darkness is a constant of the theme but the feeling is very global, war, death, violence, murder, without leaving behind the fantastic instrumentation with each song, carefully putted together.

It’s hard to say if the genius of this album will be shattered by its weirdness, but if one thing is sure, this record is both, genius and weird, hard to digest but like everything weird, take some time to settle, but I’m sure that once the weirdness is settled the other half will still remain, the genius part, that will still give you something to think about long time from now.

I would say that Harvey is not only shaking England but taking every fan around from storm with this hardcore dense LP, for sure revealing yet another Harvey that delivers consistency into inconsistency, or order inside the chaos. Even with the straight forward songwriting and the internal discourse is not something intentionally made in the LP by itself, it takes part in the interpretation of the listener, a history is told but the meaning is intentionally giving to the one that is in presence of it, there for the album has no complete meaning until the interpretation; this is not a weak thing, it just makes it more a piece of art that reaches objective meaning in a subjective reading, like every piece of modern art, misunderstood by a lot of people, judged harshly but never disposable.

Tracklist:

1. Let England Shake
2. The Last Living Rose
3. The Glorious Land
4. The Words That Maketh Murder
5. All and Everyone
6. On Battleship Hill
7. England
8. In The Dark Places
9. Bitter Branches
10. Hanging In The Wire
11. Written On The Forehead
12. The Colour Of The Earth

Rate: 9.3/10

Google That Shit!

Cake – Showroom of Compassion (2011)

In this album Cake demonstrate what they are all about…and that’s being Cake, they are this kind of bands that when you listen to them you know who it is, and if you like one song you’ll like all of them and this is not a mere repetition of hits or a boring way of not taking risks and do the same stuff; this band has made a name of their own just having personality.

When the album starts you just jump to the nostalgia of the other albums and listen to the same old Cake all over again, but this could go either way as something good or something bad. Ok, we know we love them, and we know we won’t hate them ever, but did they gave all they have to give? This LP doesn’t play with the expectations of the fans, does exactly what a Cake album should be about, sharp sarcastic lyrics, absurd and fun instrumentation, straight forward and in your face fun pop music, cheesy romantic tunes, trumpets, and all the good old fashioned stuff that made Cake who they are.

On the downside, the fact of the sound being familiar is making me question the capacity of the band to evolve, is it just that the Cake formula already gave everything that had to give? We’ve seen bands like Beastie Boys trying to make an effort of updating themselves without trying to be someone they are not, they’ve made instrumental albums, experimented with new beats, and its not because the hip hop or funk could be easy to experiment, in pop and rock it would be more accessible the capacity of incorporating new stuff without betraying the music you originally make. I see a lot of great Cake songs, and because I loved them I still do, but that’s all I can say…nothing new…more of the same old Cake…and if you loved them before, you’ll love them this time around, good old perfect circle.

Tracklist:

1. Federal Funding
2. Long Time
3. Got To Move
4. What’s Now is Now
5. Mustache Man (Wasted)
6. Teenage Pregnancy
7. Sick of You
8. Easy To Crash
9. Bound Away
10. The Winter
11. Italian Guy

Rate: 7/10

Google That Shit!

Broken Bells – Broken Bells (2010)

When it comes to super groups and side projects 2010 had plenty of it and Broken Bells was no exception, this is a band composed by Brian Burton and James Mercer; Burton better known like Danger Mouse and James Mercer of The Shins (an acclaimed indie band).

I already talked about Danger Mouse & Sparklehorse Dark Night Of The Soul and in that LP one of the songs is featuring James Mercer, also you already know that that was a 2009 album, what you don’t know is that Mercer and Burton known each other for a while and were wanting to do a project together since they meet and find out that they were fans of each others projects.

So in the music, Mercer is more down to earth and has made a trajectory in acoustic and indie rock with The Shins, and on the other hand, Danger Mouse has done it all and also has done some very experimental stuff specially with hip hop and produced a lot of different artists. This makes from broken bells a very interesting project that has been also successful.

Now, does it have a downside?, yes…and its that two very big and different artists get together and don’t deliver some experimental new sound, just a handful of descent songs and three really good ones that are different from what Danger Mouse of The Shins would do on their own, this is a downside because you can’t really see any of the individual line of works of the two brains involved in the results.

Now, talking of styles, some are pop structured songs and alternative rock with space rock very well produced.

Tracklist:

1. The High Road
2. Vaporize
3. Your Head Is On Fire
4. The Ghost Inside
5. Sailing To Nowhere
6. Trap Doors
7. Citizen
8. October
9. Mongrel Heart
10. The Mall and Misery

Rate: 6.3/10

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