Youth Lagoon – Wondrous Bughouse (2013)

En el espacio que existe entre MGMT y Animal Collective encontramos el segundo álbum de Trevor Powers A.K.A. Youth Lagoon; éstas dos comparaciones son una aventura sonora impresionante que ninguna persona que clama algo hermoso y diferente puede perderse. Hablar de los inicios de Trevor es hablar apenas del 2011 cuando debutó con “The Year Of Hibernation”, para entonces Trevor era un joven de 21 años realizando un disco vulnerable, extremadamente Lo-Fi, escondido entre eco y producción sucia, y música calmada y melancólica que hablaba de escape y recopilaba sentimientos de no pertenencia, descanso, huída; encajaba perfecto con el super difundido género chillwave y el ejército de artistas que sacaban álbums grabados en sus casas con resultados maravillosos. Tomó la atención de todos los blogs independientes y algunas publicaciones mayores y el resultado fue aclamación instantánea.

Hoy no ha pasado mucho tiempo, sigue siendo un artista joven con sólo 23 años y madurez quizá no es el calificativo que se le pudiese dar al sonido de Youth Lagoon, más bien, el sonido se ha transformado. La transformación del proyecto coloca a Trevor ya no entre los artistas con un pequeño disco realizado en una casa, sino un proyecto producido por Ben H. Allen; quien ha trabajando para artistas como Animal Collective, Cee-Lo Green, Deerhunter y Delphic. Esto explica la evolución del sonido, pero de manera lírica, el contenido de cada canción ya no está enclaustrado ni tiene el sentimiento escapista que se percibía en “The Year Of Hibernation”.

Desde el momento que comienza “Wondrous Bughouse” se anuncia la diferencia, pues, luego de pasar el intro, “Mute”, la primera canción del álbum estalla con baterías y un sonido bastante grueso que en su álbum anterior jamás habría sido posible. En “The Year Of Hibernation” cada canción comenzaba callada y con el tiempo iba robusteciendo su sonido, el caso de “July”, hermosa pero calmada y paciente. “Mute” desde el inicio explica el sonido a través de la primera línea de la canción, “Living in a 3D world”, el sonido estalla mucho más tridimensional y complejo.

“Attic Doctor”, “Pelican Man” y “Sleep Paralisis” son los momentos que me hacen recordar a MGMT si trabajaran con una línea de producción un poco menos limpia. Son canciones con samples de cajas de música, pianos y mucho juego de eco y sonidos espaciales acompañados de guitarras ligeramente desafinadas con sonido trémolo. Si bien el sonido sigue apostando hacia el dream-pop, en muchas ocasiones, el discurso comunica un viaje psicodélico.

La primera canción que llegó a conocerse del álbum due “Dropla”, aunque no era tan instantáneamente diferente al material anterior como “Mute”, lo interesante de “Dropla” es la claridad de la letra sin perder lo nebuloso de la instrumentación.  Las imágenes son muchísimo más abstractas y espirituales “You’re playing a song, one that’s for me / While my physical body is turning in my grave” antes del coro repetido de “You’ll never die”, sin duda un cambio de composición que acompañado de la claridad en la producción alcanza un nivel al que no llegaría con la timidez de su álbum anterior.

“Raspberry Cane” es otra canción que sin duda resalta en su complejidad y por comenzar con amplitud sonora que lanza a un estado mental concreto, sin sugerir nada con música que suavemente te lleva a un lugar. Estas canciones están destinadas a lanzarte al mood de Powers de forma instantánea.

El efecto logrado por Youth Lagoon en esta entrega es un experimento sonoro disímil al hecho por Tame Impala en “Lonerism” y un Dream-Pop trascendental que se aleja del susurro de “MBV” hecho por My Bloody Valentine.

 

En éste álbum la fragilidad y vulnerabilidad siguen ahí pero potenciadas por millones de detalles que se aprecian cuando se sube el volumen con audífonos. Escuchaba el álbum mientras caminaba por la ciudad de la misma manera que hice con el anterior y la diferencia es que antes tenía que detenerme, huír y escuchar; esta vez  la música me invita a ver el mundo a apreciar mi alrededor. El disco anterior logra ese efecto invernadero, mientras que “Wondrous Bughouse” es una experiencia totalmente diferente, más que introspectiva: contemplativa.

Tracklist:

1. Through Mind and Back
2. Mute
3. Attic Doctor
4. The Bath
5. Pelican Man
6. Dropla
7. Sleep Paralysis
8. Third Dystopia
9. Raspberry Cane
10. Daisyphobia

Rate: 9/10

Atoms For Peace – AMOK (2013)

Para aquel que no sabe, Atoms For Peace es un proyecto solista del vocalista de Radiohead Thom Yorke y otros artistas de muchísimo renombre: Nigel Godrich, productor electrónico y colaborador legendario de Yorke; Mauro Refosco, quien colabora como baterista de un artista del calibre de David Byrne; Joey Waronker de quien se puede ver su nombre en colaboraciones como baterista con Elliot Smith, R.E.M. y Beck y finalmente Flea, el bajista de los Red Hot Chilly Peppers. Dicho esto, en consecuencia, Atoms For Peace no es una banda, es una súper banda.

Con el pasar del tiempo Radiohead se ha convertido en una banda de rock capaz de incorporar muchos más elementos electrónicos, aveces tanto que parecen trascender al género. Dicho esto, es curioso pensar qué tanto escape necesita Thom Yorke de Radiohead para crear una banda en la que pueda entregarse por completo a la experimentación electrónica, que pareció ser lo que intentó cuando creó “The Eraser” su primer disco solista. Escuchar las diferencias entre “AMOK” y “The Eraser” es fácil, el primer proyecto fue austero y esqueleto de este proyecto, lo que ha cambiado desde 2006 hasta hoy no ha sido el proyecto solista de Thom Yorke sino la banda que lidera y las colaboraciones que ha hecho. Thom es hoy un artista que cruza géneros teniendo en su lista de colaboraciones muchísimos artistas del radar electrónico; desde Burial y Four Tet hasta Modeselektor, desde DJ Shadow hasta Flying Lotus.

¿Qué es lo que hace diferente en “AMOK”? Comenzando el álbum se encuentra la canción “Before Your Very Eyes”, de cerca parece cualquier canción que no logró el corte en “King Of Limbs” de Radiohead pero que brilla por el mérito de tener un bajo mucho más majestuoso, esto no sería posible sin cortesía de Flea, en realidad es el único que contribuye a que el sonido se distancie de un usual trabajo de Radiohead. El momento en el que la canción toma un segundo tono es cuando se comienza a distanciar de Radiohead, justo cuando comienza un fuerte sintetizador encima de la voz de Thom Yorke que nos distancia un poco del nivel de detalle que daba al principio, el bajo también deja de tener protagonismo y la canción comienza a sonar al fondo de los sintetizadores.

La segunda canción, “Default”, sí toma una dirección que se distancia un poco más del sonido tradicional de Radiohead o los proyectos de los otros músicos. La letra es incoherente y la música se distancia de la vulnerabilidad que podría aportarle Thom Yorke, la canción termina con Yorke cantando “It’s eating me up”. Eso es exactamente lo que hace la canción, tragarse cualquier aporte que pueda hacer Thom Yorke.

El álbum repite esta fórmula, sintetizadores protagónicos demasiado claros para ser atmosféricos pero demasiado abstractos para dar un cuadro concreto o una dirección. Los únicos momentos en los que ese cuadro de abstracciones apuntan a una dirección concreta son los momentos en los que el bajo de Flea influencia la canción; el principio de “Before Your Very Eyes”, la segunda mitad de “Unless”, la canción completa de “Stuck Together Pieces”.

Todos disfrutamos a un Thom Yorke más animado bailando como luego lo hizo en “King Of Limbs” pero el Yorke capaz de darnos imágenes nebulosas y de dejarnos indefensos ante la presencia de su voz acompañado de músicos excepcionales es lo que uno más desea. Este momento llega en “AMOK” con la canción “Judge, Jury And Executioner” pero se queda corto e incapaz de sorprender completamente, otra canción que atina en el sentimiento es  “Reverse Running”, cuenta con el nivel de vulnerabilidad suficiente, la instrumentación suficiente, los sonidos electrónicos suficientes, quizá faltó un poco más de aventura por parte del bajo pero viendo el cuadro completo, la canción es lo suficientemente buena.

“AMOK” tiene todos los elementos para ser bueno pero carece de algunos elementos para ser inolvidable; más protagonismo por parte de Thom Yorke y explorar más lo que puede aportar un bajista como Flea a la mezcla, los momentos en los que lo dejan brillar no sólo demuestra que con este proyecto es capaz de ir más allá al sonido que alcanza con los Red Hot Chilli Peppers sino el nivel y versatilidad que puede tener como músico.

Muchos fanáticos critican esta asociación Yorke-Flea pero si algo demuestra es que de los noventas han salido demasiados músicos relevantes y que Flea es un bajista virtuoso. Dentro de los Chilli Peppers quizá el brillo se lo dan más a John Frusciante, esto parece ser verdad en el contexto de la banda, pero no quita la relevancia de Flea como bajista en los momentos que ha brillado en canciones como “Give it Away” por dar uno de tantos ejemplos.

Un punto a favor del proyecto de Atoms For Peace es que los músicos asociados logran aventuras sonoras que no podrían lograr cada uno en su proyecto por separado, un ejemplo perfecto de esta afirmación es la canción “Stuck Together Pieces”, un bajo prominente, una voz protagónica y elementos electrónicas que crean un espiral que no llega a la melancolía de Radiohead ni llega a la diversión descontrolada de Red Hot Chilli Peppers, ni al nivel de experimentación de David Byrne, ni a la claridad de un sonido de los noventas, ni suena directamente a Godrich, es el balance perfecto de todos los músicos, suena bien, pero no suena a un súper grupo.

Es una lástima ver que Thom Yorke se asocie con artistas de calidad para no alcanzar un nivel de ejecución en estudio con la misma calidad que se tiene cuando se ejecuta en vivo.

Tracklist:

1. Before Your Very Eyes…
2. Default
3. Ingenue
4. Dropped
5. Unless
6. Stuck Together Pieces
7. Judge, Jury And Executioner
8. Reverse Running
9. Amok

Rate: 7/10

Jamie Lidell – Jamie Lidell (2013)

Jamie Lidell es un artista inglés que se caracteriza por siempre sacar sonidos sintetizados y mezclarlos con el soul y el swing de épocas pasadas, nunca tan literal como una Amy Winehouse pero, gran parte de su trabajo hace referencia a estilos pasados y vigencia presente. Lidell siempre ha cargado con comparaciones desafortunadas, Mayer Hawthorne quizá la más relevante (yo personalmente también metería a artistas del calibre de Sébastien Tellier en la lista); pero aquello donde destaca Lidell es en tener una sensibilidad pop sin caer completamente en la indulgencia de complacer a todo el mundo con un hit que lo lleve a la fama y la gloria.

Muestra de esto se encuentra en su último disco “Compass”, donde explora territorios sonoros que el disco anterior “Jim” no había explorado; y es que Jim fue el álbum más exitoso de Jim y el mas funky, desenfadado y fiestero que había sacado. Ahí es donde entra “Jamie Lidell” (el disco), de alguna manera representa la continuación apropiada de “Jim” si el deseo original hubiese sido escalar a un sonido más comercial.

El álbum comienza con la canción “I’m Selfish”, una balada funk espacial con sintetizador engordado y ochentoso, el blimp y el blump de un sintetizador acompañado de una batería prominentemente golpeada y un Lidell cantando de forma pegajosa sobre su propio egoísmo y durante el clímax de la canción encntrarse dentro de la realización que hay otra forma de hacer las cosas. Ninguna gran canción pop tiene que tener un contenido profundo.

“Big Love”, la segunda canción, es un cambio en el sonido de Lidell importante. Es una canción que tiene unos sintetizadores tan ochentosos y tan funky que más que una canción de Jamie Lidell pareciera una canción mala de algún record oscuro de Chromeo, a pesar de todo, una mala canción de Chromeo puede constituir una canción decente pero no llegar al nivel para ser una buena canción de Jamie Lidell, dos segundos después de que se acaba la canción se olvida completamente, interesante en la primera escuchada y efímera al momento en que comienzan las siguientes.

Cuando llega el momento de la tercera canción “What a Shame” es cuando uno cree que el experimento con sintetizadores de Lidell tiene alguna dirección y propósito, el sonido es mucho más cercano al RnB que al usual sonido funk que suele utilizar, podría parecer una versión mucho más extrema de “A Little Bit More” de su disco “Multiply” mezclada con los efectos que en momentos tiene “The Ring” del disco “Compass”, mucho más experimental pero demasiado sintetizada para parecer genuina, Jamie se pierde en la experimentación.

“Do yourself A Faver” es la primera canción que apunta a una dirección favorable, suave, sexy, la mezcla perfecta entre Chromeo y Justin Timberlake, con sensibilidad pop de los ochentas y un beat y forma de cantar relevante y similar al sonido que el RnB está tratando de alcanzar en el mundo post Amy Winehouse. Esta canción además le hace la antesala al single “You Naked”, una canción espacial que creó la expectativa sobre la dirección que tomaría el nuevo LP. Sin duda una de las canciones más aventureras del disco, tanto desde el punto de vista instrumental como de la forma de cantar de Lidell que sin perder su sonido característico tiende a estirar y retraer las frases en transiciones entre estrofas y coro.

“Why_Ya_Why”, la sexta canción, viene completamente del campo izquierdo: una canción gordísima con trompetas y luego mezclada con muchísimos efectos, produce el efecto Dumbo borracho en la película de Disney, una trompeta borracha, un trombón grueso en el fondo, una producción sucia con sintetizadores y una voz carrasposa (que no es el fuerte de lidell), igual interesante hasta el momento en que se convierte en una canción electrónica nebulosa a la segunda mitad de la canción, sin duda se lleva el mérito de ser la canción más aventurera del disco pero no cuenta con la calidad de ser single.

“Blaming Something” es una canción con funk y fondo de bajo hecho con beatbox, muy Justin Timberlake para ser Jamie Lidell pero lo suficientemente cool para dejarlo pasar, quizá lo que molesta es que la canción es muy circunstancial, no tiene el poder adictivo que quizá puede tener una canción vieja de Lidell o del mismo Justin Timberlake.

En las canciones restantes hay un poco de todo, dos baladas espaciales con baterías rápidas, tambores y chasquidos, “So Cold” y “Don’t You Love Me”; una experimentación funk con sintetizadores donde la voz de Jamie está ausente de hacer un papel protagónico, “You Know My Name”; y la última canción, “In Your Mind”, que es una más que se encuentra en el ambiente espacial de los ochentas, Chromeo, Justin Timberlake, Jamie Lidell (ish) que debate el funk entre sintetizadores fuertes, batería y sonidos RnB.

En líneas generales es un disco que atina a sonidos espaciales, sintetizadores y experimentos de RnB y Funk usuales en la historia artística de Lidell pero apuntando a sensibilidades más pop. ¿Acaso este experimento constituye una dirección incorrecta? Quizá no; pero Jamie Lidell viene de ser una isla dentro de su género, un artista original, fresco, interesante; venía de ser una referencia, de manera que cuando se hablaba de Mayer Hawthorne no se comparaba a Jamie Lidell con él sino siempre eran los demás los que sonaban a Jamie. Venir de este ambiente de estatus exclusivo a un sonido donde Chromeo o Justin Timberlake lo logran con más claridad, más fama y mejor es lo que quizá representa una amenaza para Jamie, en esta cancha sí tiene competencia y tiene que pelear de manera más agresiva para destacarse.

Tracklist:

1. I’m Selfish
2. Big Love
3. What A Shame
4. Do Yourself A Faver
5. You Naked
6. Why_Ya_Why
7. Blaming Something
8. You Know My Name
9. So Cold
10. Don’t You Love Me
11. In Your Mind

Rate: 6,5/10

Apparat – Krieg und Frieden (Music For Theatre) (2013)

En algún momento de la historia Leon Tolstoi fue el hombre más famoso del mundo, antes de Michael Jackson y antes de MTV, antes del capitalismo y la globalización, los libros de Tolstoi eran leídos en todo el mundo y facinaban a la humanidad. Hoy día ya no es tan popular la lectura y muchos de los clásicos mantienen su fama siendo llevados al cine o siendo adaptados a teatro, musicales y ballet. Aquí es donde entra un artista como Sascha Ring realizando la música para la adaptación teatral de Guerra y Paz realizada por el director alemán Sebastian Hartmann.

A la aparición del álbum que precede Krieg und Frieden la crítica no ha sido muy buena con Ring, su último trabajo fue incluso juzgado por querer tener appeal comercial al estilo Tiësto y otros productores alemanes de ese estilo de electrónica cuando la realidad detrás de un artista como Ring no está en el éxito sino en el arte. El elemento que resalta en cada uno de los trabajos que ha realizado Apparat como conjunto y sus colaboraciones siempre se han acercado más a arte y concepto que a música con mainstream appeal. Es imposible de todas maneras saber qué obra de arte va a tener aceptación de un público lo suficientemente amplio para ser pop, pero lo cierto es que Apparat encaja en la categoría de uno de esos artistas que han alcanzado un nivel de sensibilidad que conmueve a nivel estético pero con capacidad adictiva típica del mundo pop.

En la década que lleva haciendo música, Ring se ha convertido en un artista entregado a sus fanáticos y aislado de los medios que podrían contribuir con la promoción de su arte, quizá por esto cada álbum es menos influyente o menos difundido que el anterior, en especial si se compara con la fama obtenida por “Walls” el segundo álbum.

La adaptación de Guerra y Paz está llena de dramatismo, suspenso y sonidos ahogados en drone. Es un disco básicamente instrumental pero no posee las progresiones características de un score. Las canciones se sostienen por sí solas sin necesidad de evocar una imagen concreta de una obra concreta; su imaginario y su poder creativo tiene un poder mental en sí.

Comenzando el álbum, la canción “44” muestra un set de cuerdas definido asumiendo el protagonismo; luego, la claridad de la canción comienza a ser ensuciada con el drone  de los sintetizadores muy al estilo de “The Devil’s Walk”, sonidos que parecen épicos pero que nunca llegan a explotar y se mantienen en una perpetua espera a que suceda algo que nunca sucederá.

“Lighton”, la tercera canción sí plantea una emoción concreta ya que tienen letra pero de todas maneras la idea de la canción nunca busca ser tan intencional como para quitarle su arte, hace referencia más a la idea de prender la luz para iluminar un panorama desierto. Esta canción comienza a introducir vibraciones furiosas de un beat muy bajo y tiene un aire experimental digno de las canciones de los viejos tiempos de Apparat, como la canción escondida de “Walls” al final de “Like Porcelain”, o la canción que abre el disco “Not a Number”, incluso un espíritu similar al de “Edison” del disco junto a Ellen Allien; de todas formas “Lighton” logra un espíritu mucho más contemplativo que el mostrado en esos trabajo.

“K&F Thema” es otra pieza instrumental que resalta del álbum, sutil, vulnerable y con una secuencia que va creciendo con cada vuelta añadiendo un instrumento más, igual que “44” se divide en dos partes, una primera parte exclusivamente intrumental con cuerdas y luego uniéndose a la canción con sonidos musicales al estilo caja de música. Tiene un aire al maestro de scores para películas frencés Yan Tiersen pero lo trasciende añadiendo eco, bajo, guitarras eléctricas y drone acompañado de un tambor acuoso vacío escondido en el fondo detrás del set de cuerdas.

En seguida comienza la música de la escena de la batalla de “Austerlitz”, más o menos en la misma tónica del resto del álbum pero es la canción que más muestra la violencia de Guerra y Paz sin llegar a ser una canción violenta. Sonidos sucios llenos de eco y un piano grave en el fondo que comienza a ser rodeado de un set de cuerdas hasta que comienzan los tambores. El final de esta canción introduce la última canción del álbum “A Violent Sky”, la segunda canción con letra del álbum. Comienza con un juego de dos pianos al estilo “Ash/Black Veil” de “The Devil’s Walk” aunque con muchos más juegos con piano montando uno sobre otro hasta que el golpe de cada tecla se convierte en un sonido sintetizado y golpe de cuerdas. “A Violent Sky” a pesar de todos los intentos no alcanza el nivel épico que debería tener Guerra y Paz, pero a pesar de ser carente del contenido Épico no abandona su calidad artística.

Con este álbum, Sascha Ring A.K.A. Apparat no dio ninguna declaración, no hizo ninguna publicidad, no dio ninguna entrevista, fue un lanzamiento extremadamente personal y el éxito dependerá únicamente de su fanaticada. Para ser un productor que ha colaborado con Modeselektor y Ellen Allien y que es en parte dueño de su propia disquera, además de ser juzgado por la crítica con pretensiones comerciales más allá de sus pretensiones artísticas, Apparat demuestra con su actitud esquiva y el resultado del disco que sigue siendo un artista capaz de realizar un disco por el puro placer de realizar un aporte al arte y comunicarse únicamente a la fidelidad de sus fanáticos sin necesidad de un gran lanzamiento.

“Walls” y su éxito crítico está lejos de ser comparado con “Krieg und Frieden”; ésta está lejos de ser la intención de Apparat, pero me temo que con el pasar del tiempo Apparat se convierte en un proyecto que ambiciona dos partes del espectro musical que no siempre son congruentes, éxito comercial e integridad artística. Con esto, cada proyecto corre el riesgo de ser demasiado artístico o demasiado comercial y el balance que se encontró con “Walls” sólo ha sido equiparado por colaboraciones de Apparat con otros artistas (recordando Modeselector + Apparat = Moderat). Sigue el interrogante de si Apparat será capaz de encontrar de nuevo la fórmula perfecta de arte y accesibilidad sin comprometer ninguna de las dos partes.

Tracklist:

1. 44
2. 44 (Noise Version)
3. Lighton
4. Tod
5. Blank Page
6. PV
7. K&F Thema (Pizzicato)
8. K&F Thema
9. Austerlitz
10. A Violent Sky

Rate: 6,5/10

Perfume Genius – Put Your Back N 2 It (2012)

El segundo disco de Mike Hadreas, Put Your Back N 2 It, no marca una ruptura con su primer disco Learning, pero sí con la forma en la que Perfume Genius produce su música. Si bien ambos conservan un sentido de intimidad, vulnerabilidad y belleza, el proyecto toma una nueva dimensión incorporando percusión y un sonido mucho más tridimensional, el primer disco, a pesar de recibir buenas críticas y tener todos los elementos de un disco excepcional tuvo fallas en producción, el disco no se disfrutaba de principio a fin, en mi caso muchas veces se tornaba tedioso, aburrido.

Esta segunda vez lo importante de Pefume Genius es que no importa cuánto se le agregue a la música, la vulnerabilidad del tono de voz de Hadreas y su capacidad expresiva hace que uno se cautive de forma inmediata; a diferencia de Learning, en este disco es su complejidad en las letras, mezclado con la producción más limpia no compromete la simplicidad de la música, pues cada canción aporta emociones mucho más adultas pero conservan de alguna manera la ingenuidad musical del trabajo previo.

El estado de ánimo que hacía de Perfume Genius algo digno de ser escuchado en Learning continúa en Put Your Back N 2 It, el asunto es que la producción esta vez permite apreciar más los distintos elementos de la instrumentación y hace que la voz se presente de forma inteligible.

El disco es sutil, y las progresiones en la instrumentación son bastante delicadas y mínimas, aveces incluso silenciosas. La manera en la que cada canción escala no depende más que de los mismos elementos que expresa desde el principio. Los sentimientos de abandono, soledad, introspección, inseguridad, todos trabajan en favor de la música; por lo general estos sentimientos son inalterables o cambian de forma progresiva y lenta y eso es exactamente lo que capta el álbum.

El disco mantiene una compostura, Hadreas no busca escandalizar al que escucha, sólo busca comunicar los sentimientos y buscar una manera para comunicar la desolación. Cada canción además son cortas y se encuentran totalmente completas, en espacios muy pequeños de tiempo se escuchan canciones completas, nada se encuentra fuera de lugar y todo está en su correcto lugar.

El disco aunque simple es muy variado, y cada cosa está en su lugar perfecto. Uno de los mejores del 2012 sin duda.

Tracklist:

1. Awol Marine
2. Normal Song
3. No Tear
4. 17
5. Take Me Home
6. Dirge
7. Dark Parts
8. All Waters
9. Hood
10. Put Your Back N 2 It
11. Floating Spit
12. Sister Song

Rate: 9/10

Zammuto – Zammuto (2012)

Una de las bandas más experimentales con una de las trayectorias más consistentes en la historia de la música sin duda fue The Books. De disco en disco combinaban magistralmente samples y beats y hacían que la locura que podían causar los efectos no terminados de cada canción sonaran al final como una propuesta unificada y coherente. El último disco de The Books The Way Out, fue sin duda la mejor manera de despedir a la banda, en el que, personalmente, Nick Zammuto y Paul de Jong, hicieron uno de sus mejores esfuerzos para crear un disco que recogiera toda la influencia que a lo largo del tiempo tuvo la banda en sus 12 años de vida.

Sin remordimientos sobre el final de The Books, Nick Zammuto nos deleita con su primer trabajo solista titulado simplemente Zammuto. Desde el principio se siente el cambio de tono que lo diferencia de The Books pero no pierde el espíritu experimental maravillosamente raro. Zammuto suena mucho más simple y descomplicado, la primera canción “Yay” introduce al disco con percusión fuerte y su voz sintetizada que tiemblan en vaivén intercalando el silencio y el sonido con los lados izquierdo y derecho, a pesar de que la canción cuenta con percusión agresiva siempre tiene una sensación feliz y las voces alcanzan momentos de belleza dignos similares a la voz de Jónsi (vocalista de Sigur Rós).

La simplicidad de la banda ahora que es una banda de un solo hombre de todas maneras no extraña el nivel de complejidad que tenía The Books, es mucho más directo, y cuenta también con samples al estilo The Books pero mucho más cortos y organizados.

“Groan Man, Don’t Cry”, la segunda canción, da la oportunidad de además disfrutar de las destrezas en la guitarra de Zammuto en primer plano, sin distraerse por los demás elementos que mezclaba con The Books. La ironía sigue ahí, canciones como “Too Late To Topologize” se presentan como baladas pero que te mantienen en un buen estado de ánimo y divirtiéndote, y los momentos serios del disco están llenos de tantos detalles y diversidad en las letras que tampoco es que se torna completamente serio. Es un disco completamente divertido y experimental que quiebra con los trabajos de The Books pero no hace que el oyente se ponga nostálgico, es completamente innovador.

Si se trata de elegir la peor canción de este disco, me atrevería a decir que no existe, todas las canciones aportan algo interesante a la mezcla y es diverso, directo, sin rodeos, divertido e innovador; no puedo dejard de recomendarlo

Zammuto ahora entra a la escena de discos de sonoridad complejas dirigidos por un solo hombre y que llevados a una puesta en escena se tornan en un evento completamente interesante, pues no estamos hablando de un one piece band de un artista nuevo sino un artista añejado y con experiencia que se suma a una fila de nuevos como Machinedrum. Les dejo el stream del disco.

Tracklist:

1. Yay
2. Groan Man, Don’t Cry
3. Idiom Wind
4. Crabbing
5. F U C-3PO
6. Too Late To Topologize
7. Zebra Butt
8. Weird Ceiling
9. Harlequin
10. The Shape of Things to Come
11. Full Fading

Rate: 8.7/10

Rafter – Quiet Storm (2011)

Up until now, Rafter Roberts has had a very playful experimentation in his music; I have compared him to a lot of sounds until I got to a formula that was 20% Chromeo, 20% Of Montreal, 20% Passion Pit and 40% Originality. If you already know Rafter’s work, you’ll know he’s cool, with swagger and pop sensibility; but that things that seemed part of his nature were dismissed for this LP, this time he goes straight up experimenting big time, the sounds are very Lo-Fi and the production has the idea of broken saturated noise.

The first two songs I was waiting for Rafter to come out, you can recognize the old stuff but hidden behind a bunch of noise and is until “Nothing Here Worth Stealing” (the third track) that it sinks in that this is not what you expected, the sound is very Lo-Fi, and is so repressed that the only thing coming through is noise with a washed dark metal guitar and sporadic acoustic pop overtones. For the track “Innocence, in a Sense” the guitar riff really gets heavy and tends to be a little bit flashier and 80’s like.

The reason, as Rafter himself explains, is that when touring around with the “Animal Feelings” promotion he kind of got into Metal; though this influence, still the songs conserve a little bit of his characteristic sound, but is so drowned and washed out by Lo-Fi effects that make each track very hard to digest. When asked about the record he said “we listened to a lot of black metal demo tapes in the car… it was really inspiring, extreme, blown out, ridiculous but heartfelt… I made this album, fed by those inspirations and a wave of existential freakout, human mind explosion. in my fantasy, it’s like darkthrone meets the kinks meets lee perry…”.

The record is a little bit under 30 minutes and is so heavy that it gets actually really long, none of the songs are great for me, not even the ones that conserve more of what Rafter is all about, and keeping up with my composture, I guess I won’t talk about how disappointed I am of this record because I consider Rafter an amazing artist, and I’m not disappointed because he did different, in fact, I applaud the brave concept he pulls off. If something you get loud and clear from this album is that in fact a Quiet Storm of really epic proportions is happening.

But non the less the concept is well putted together, and you get that everything is intentionally, the reasons of the album are an artistic expression so closed to only Rafter’s understanding that even to his most loyal fans is hard to get, if something, this LP will open the door to new listeners and probably a lesson to not making expectations on his music but never giving up on it, because you never know what you can get, and this element of surprise can be risky, but I’m still waiting to see what next stuff he can come up to.

Still remembet that this is my opinion, and you can listen and make your own, so stream the LP in bandcamp down here and come to a conclusion.

Tracklist:

1. Convenience or Death
2. Fire Fire, Water Water
3. Nothing Here Worth Stealing
4. Innocence, in a Sense
5. Sick Princess
6. U Used Me Up
7. Interlude
8. Coldness of Space
9. Braden’s Song
11. Oh No
10. Pummelled
12. Born Again

Rate: 3/10

Google That Shit!

Tim Hecker – Ravedeath, 1972 (2011)

Tim Hecker is a drone artist whose albums always have a deep sense of concept. For his sixth LP he became obsessed with sonic decay, and the consistency of the concept this time around is so obviously wonderful that could easily be an installation on a museum. The record is called “Ravedeath, 1972” and the cover art shows people destroying the first MIT Baker House Piano in 1972, this story began with a project of some students to make an assignment for a professor of the university, and has something to do with alums wanting to film the piano drop with a high speed camera; the project got an A and the piano drop became a tradition in the MIT Baker House dorm since then.

I’m sure the idea of the MIT tradition had something to do originally with the project; and Hecker made the record in two stages, the first one being a church in Reykjavik, Iceland; where he recorded the echo and distant sound of a groaning pipe organ to make the base of the entire LP. The second part was released in studio under the production of Ben Frost (who’s well known for very heavy toned ambient experimentations as well that goes from the minimal quietness of ambient to the powerful noise of black metal). The studio part of “Ravedeath, 1972” incorporated the drones and sounds that Frost is accustomed and shows the capacity of Hecker to play with heavy synth and noise until the experimentation becomes a powerful shoegaze sound very claustrophobic at times.

The first track “The Piano Drop” starts with a lot of violence, with a heavy electronic scratch over the pipe organ, the synths tremble back and forward and sometimes allows the listener to come inside the melody and suddenly backs him out again with another scratch, a very interesting layered opener that plays with static and ends with abrupt silence and the sound of the piano drop on the beginning of the second track. This act of violence against the piano sets the mood and starts giving all sorts of tones to the constant presence of the church’s organ pipe and goes trashing that sound with incredible violence through out every song, a feeling that gets unbearable in the “Hatred Of Music II”.

It always seems that the message Hecker is trying to get behind the noise is that the way we consume music with technology sometimes doesn’t add to it beauty but destroys the concept and opens it until the message gets lost behind everything. Kind of remind me the reading I did of the concept behind the Alexander McQueen’s fashion show named “Weird Science”, if in that moment McQueen was talking about the aggressive nature that technology can have against fashion and humanity when not used properly, Hecker is communicating exactly the same but with music, maybe is a little harsh for a fashion designer destroy the closing dress with mechanical arms throwing paint at it, and is the same idea of Hecker throwing trash sounds over a pure sound. But in the end Hecker’s message goes further, everything doesn’t get lost, because “In The Air III” two songs after the “Studio Suicide”, the studio sounds finally die, and all that’s left is the sound of the pipe organ and a piano recorder live from the church.

I see this record (no matter the unbearable that it can seem to get and the claustrophobic nature it has standing in the listener point of view), a quality of spectacle that not much artist attribute to modernity and Hecker seems to know very well, these age could be about destroying and pure creations are about surviving, this is a performance piece of theatrical quality that portrays the survival of music, no matter how much trash you throw over it, in the end music will always survive on a pure state.

Tracklist:

1. The Piano Drop
2. In The Fog I
3. In The Fog II
4. In The Fog III
5. No Drums
6. Hatred Of Music I
7. Hatred Of Music II
8. Analog Paralysis, 1978
9. Studio Suicide
10. In The Air I
11. In The Air II
12. In The Air III

Rate: 8.6/10

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#FlashBackSunday Tom Waits – Alice / Blood Money (2002)

Tom Waits has a very interesting story and persona surrounding him; in love with a woman with a successful marriage of more than a decade, artistic personality, talent, and a persona that can be both, enchanting and deeply mysterious. In concerns of his music career, it has had commercial ups and downs, but always a vision, always a sound, always a direction, always a commitment that only true artists have. Not to count points that he has one of the most expressive voices out there. He recently entered to the Hall of Fame, so I don’t have to spend a lot of words talking about him, for he is a true living legend, but I decided to do my tribute talking a little bit about him.

The power of his expression comes from he’s existential search of how to portray his feelings, since early on he had poetic and acting sensibility, read and was involved in the beat movement and had a passion for Jazz, blues and naked emotions, so it was only a matter of time for him to explore these sounds to express himself. It starts with a waits sounding like someone else and finding his true self along the way, and that’s the amazing thing of listening to his records, you can actually know this journey of self discovery without knowing anything about his life, in time he became a success as a Broadway and off Broadway actor, published author, monologue writer, and a true artistic reference of the music history of US of A, but with that also a great inspiration of global recognition in being someone with a unique sound in music.

But lets talk about 2002, he did something very bold and fantastic, he had material to make a new record, but he saw that he had two different visions, a romantic and fatal melancholy side on one hand, and an ironic, strong minded and political side on the other, and before putting out a set of songs that had nothing to do with one another he decided to take one at a time, so he published two albums, “Alice” and “Blood Money”, both with songs that have find a cult following and was the introduction of Tom Waits talent to a younger generation. Don’t forget even Scarlett Johansson’s first LP that was a cover ode to Tom Waits, some covers of this LP’s.

The fist one in alphabetical order, “Alice” is a heartbreaker that has a lot of sentiment, talks about love, suicide, death, and the adventures of “Alice in Wonderland” by Lewis Caroll, music like has just little polka characteristic sounds of Waits, you find the his vulnerable side, the soft side, the side that you can fall in love with, the waits of the whisky bar, the late night Waits with the original mystery edge in songs like Lost In Harbor or Watch her as she Disappears, and the killer (and I mean Killer) theme song Alice, a song so good that I don’t see anyone on earth not liking it somewhere along the way, one of those songs that in life you’ll get to like at some point.

Blood Money on the other hand has a different nature, more animalistic, more messy, dark in a more playful kind or way, also more political messages since the open track “Misery Is the River Of The World”, a stronger voice, from the whisper of Alice that speaks to your ears to the Waits that screams to your chest that gives vertigo and frightens you, don’t forget fantastic songs also in this LP like “God’s Away On Business”, “Everything Goes To Hell” and the softer side that remember the early years with a higher tone like “A Good Man Is Hard To Find”, every song hidden behind drunk trumpets and smell of cigars and alcohol.

These are two really great albums of the past decade that introduces one of the great ones of history of music (for me and for a lot of people), I’m sure there will be some other tom waits flashback in the future.

Alice Tracklist:

1. Alice
2. Everything You Can Think
3. Flowers Grave
4. No One Knows I’m Gone
5. Poor Edward
6. Table Top Joe
8. Lost In The Harbor
9. We’re All Mad Here
10. Watch Her Disappear
11. Reeperbahn
12. I’m Still Here
13. Fish & Bird
14. Barcarolle
15. Fawn

Rate: 10/10

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Blood Money Tracklist:

1. Misery Is the River of the World
2. Everything Goes to Hell
3. Coney Island Baby
4. All the World Is Green
5. God’s Away on Business
6. Another Man’s Vine
7. Knife Chase [Instrumental]
8. Lullaby
9. Starving In The Belly Of A Whale
10. The Part You Throw Away
11. Woe
12. Calliope
13. A Good Man Is Hard to Find

Rate 10/10

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Julianna Barwick – The Magic Place (2011)

Make no mistake when comparing Julianna Barwick to other artists, some people say that she’s sort of the dream pop version of Björk’s Vespertine, and even though this may sound interesting I believe nothing can be further from reality. The works made by Björk when arranging voices is very northern, barbaric, and also a dream pop version of the playful nature of Vespertine is still a non explored territory, something that emerging Icelandic artists into Lo-Fi sounds maybe could explore, but the true nature of the composition in Björk is so sui generis that the only thing that has similar to Julianna’s work is the fact that voices are main part of the instrumentations, also on that note, people should really stop comparing Björk to anything that sounds “odd”.

That said, for a while now I’ve been following singer songwriter Annie Clark’s project under the name of St. Vincent, since a little bit before she hit the road with Sufjan Stevens (who I love even more); Annie does interesting incorporation of voices to decorate her songs, but Annie is not Lo-Fi and she mixes that little playful voices with heavy guitars and strong drums, then the name of Julianna Barwick came across in some work she did with St. Vincent and I knew I could expect great things from her, in 2009 there was one LP called “Florine”, and now Julianna is back with a wonderful second LP called “The Magic Place”. Immediately I wanted to know this place and wanted her to guide me there.

Julianna carefully puts layers of sound and echo siren like voices with deep mystery sounds, each song with a sentiment that grows layer by layer into almost unintelligible sounds that get closer until they finally break in this fantastic place. The LP is a concept that has life on its own, and the magic place is a dark sound running away until the break of dawn, when the sun shows what’s next to come, that moment on earth is captured with tribal African inspired singing and church like humming, an occasional piano give a severe look on details but in the end the light always come.

This LP is as beautiful and hypnotic as it can get, surely that’s why the music not only brings you to a place, but also lets you know in tiny details of sound that that place is magical, you can find peace, and rest. This time around there are no imperative intelligible words, still the music go from a simple proposition to a main argument, this is what Lo-Fi experimental folk is all about, some people say that dream-pop is somewhere hidden in this Magic Place, but I’ll let you be the judge of that while you enjoy this record.

Tracklist:

1. Envelop
2. Keep Up the Good Work
3. The Magic Place
4. Cloak
5. White Flag
6. Vow
7. Bob in Your Gait
8. Prizewinning
9. Flown

Rate: 8/10

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